Welcome to my blog! As you can probably tell I am writing in English right now… but not for long! This is Nicole in Spanish so if you don’t know Spanish, kindly exit this page immediately.
¡Bienvenidos! Soy doble licenciatura en marketing y español. ¡El español es mi segundo idioma, así que trata de no encogerte al leer cualquier error gramatical! Espero que encuentre mi blog para SPAN 407 (más o menos) atractivo…
De todos modos, no más distracciones Nicole, ¡deja que la gente explore el blog!
Quería que esta publicación de blog se centrara más en el Manifiesto de Antropofagia y el Abaporu de la clase de esta semana, ya que realmente me llamaron la atención. El manifiesto trata de cómo Brasil ha “canibalizado” otras culturas, y se ha vuelto muy bueno en eso. Lo que esto significa es que Brasil pudo tomar aspectos de otras culturas y usarlos como propios, básicamente robando o consumiendo algo que no es suyo. Esto me interesó porque estoy familiarizado con el robo de cosas tangibles y por qué la gente haría eso, pero no estoy tan familiarizado con el robo de cosas no tangibles como ideas, propiedad intelectual, culturas, etc. Sinceramente, no he pasado tanto tiempo pensando al respecto Nunca había pensado en el canibalismo como algo más que comer literalmente a otro ser humano. Al leer el Manifiesto de Antropofagia, al principio estaba confundido y estaba tratando demasiado de hacer conexiones. Pero después de leer y aprender sobre el Abaporu, una pintura que inspiró el manifiesto, le dio a la palabra canibalismo un significado completamente nuevo. “Tupi or not Tupi: that is the question.” es un tema o frase principal del manifiesto, que juega con el doble significado del canibalismo en este sentido. Los Tupi son una tribu indígena muy importante en Brasil que practicó ciertas formas de canibalismo ritual, pero el dicho también hace referencia a la famosa cita de Shakespeare, una instancia metafórica del canibalismo. Me gusta esta cita porque está usando una cita de Shakespeare y le da un contexto y un significado completamente nuevos, haciendo su parte para desmantelar el sistema. Ahora, cada vez que escucho esa frase, o alguna vez veo a Shakespeare interpretar Hamlet, pienso en el Manifiesto de antropofagia y el Abaporu.
Esta lectura también me hizo pensar en el canibalismo cultural que está ocurriendo en la era actual. Las personas son tan rápidas para mirar algo o alguien en Internet y usar esa idea / escritura como propia, copiar toda su identidad de personas famosas o convertirse en lo que creen que otras personas quieren que sean. La idea del canibalismo de los materiales del curso de esta semana realmente me ha hecho pensar dos veces sobre la originalidad y lo original que pretendemos ser frente a lo que les hemos robado a los demás.
El Codex Espangliensis es un documento muy fascinante que descubrí gracias a mi clase de español. Nunca antes había oído hablar de este documento y preferiría usarlo en lugar de esos horrendos libros de historia que me obligaron a usar en la escuela primaria y secundaria. La lectura incluye a Spiderman, personajes de Disney, superman y otros personajes que mantuvieron mis ojos entretenidos y al mismo tiempo transmitieron un mensaje sorprendente. Esta parte del Codex me hizo sentarme y pensar críticamente sobre lo que estos divertidos personajes podrían representar en algo tan oscuramente político.
Lo que más me impresionó fueron las páginas / imágenes con superhéroes en ellas. Estas páginas brindan una nueva perspectiva sobre quiénes son los “héroes” en la historia y nuestra historia, un tema fascinante y controvertido. En la imagen de arriba podemos ver a Superman volando hacia un grupo de signos y figuras indígenas, y en esto está de rojo, con una mirada enojada en su rostro, que parece ser representado por el autor como un villano. Por lo general, quien sea que Superman esté luchando queda absolutamente borrado durante la batalla, lo que podría indicar que está a punto de destruir la cultura sobre la que está volando. La cultura está en peligro debido a la influencia que Superman tendrá en ella. Es muy probable que Superman sea una metáfora de la interferencia y el control de los Estados Unidos.
En esta imagen, Spiderman se ve saltando a una vieja pintura famosa sobre la colonialización. Esta vez, el aspecto de superhéroe se parece aún más a los Estados Unidos debido a que la cara de Spiderman fue reemplazada por la de George Washington. Esta foto es similar a la última en que también parece que cree que está salvando a las personas que están debajo de él de alguna manera, pero que una vez más es una amenaza para su forma de vida.
El Codex Espangliensis es una mezcla genial de arte, historia y política, todo en uno. Me encantan los superhéroes y, aunque es triste para mi infancia verlos con una luz negativa, dado que tengo sentimientos de nostalgia por ellos, hizo que el mensaje fuera aún más efectivo. Ahora me encantan estas páginas del Codex, son mis favoritas. Espero que en el futuro podamos incorporar este tipo de materiales al sistema educativo de los Estados Unidos.
Esta semana, cuando pudimos elegir entre 3 pintores femeninas increíbles, mis ojos se dirigieron directamente a Frida, y nunca miré hacia atrás. Es una larga historia, pero Frida y yo retrocedemos mucho, y es por eso.
Algo sobre mí es que siempre he sido una gran “persona de cejas”. (Esto es relevante, lo prometo). Me arranqué las cejas desde la escuela secundaria y también hago las cejas de toda mi familia y amigos. Noto las cejas de otras personas, y lo he hecho desde que era más joven. De todos modos, al primer vistazo de la obra de arte de Frida cuando era niña, inmediatamente noté las cejas … o podría decir “ceja”. No lo entendí, solo pensé que ella no tenía acceso a un buen lugar de cera o algo así y desearía haberla ayudado. Después de mi primer pensamiento inicial, me confundí de nuevo … porque me di cuenta de que incluso si tenía una ceja, ¿por qué se lo pintaría a sí misma, una y otra vez? Es vergonzoso decirlo, pero en realidad me tomó un tiempo entender el poder y el verdadero mensaje detrás de sus pinturas autorrepresentadas. No fue hasta la secundaria cuando comencé a dar un paso atrás y realmente entender por qué me molestó tanto al principio. Y fue por los estándares sociales. Frida Kahlo fue una de las primeras personas en ayudarme a entender esto y decir por qué hacemos cosas por otras personas, o por qué nos sentimos obligados a actuar de cierta manera.
Aunque esto no se trata realmente de su arte, o de ninguna de sus piezas específicamente, sino de su estilo artístico y el acto único de feminidad que nos estaba dando con cada autorretrato icónico.
Donde una vez me encogí y me quejé sobre aspectos de su apariencia, sé que encuentro la máxima belleza en sus autorretratos. El poder y la importancia de ser uno mismo y la confianza para defender lo que cree, estas cosas son hermosas para mí ahora.
Mi poema se llama A salvo ..? y sin contarte todo al respecto y arruinarlo por completo, te daré una pista de lo que se trata, pero aparte de eso es para la interpretación del lector y de lo que piensan que podría o debería tratarse, espero que te guste:)
MI POEMA: la comodidad de lo que se sabe y el miedo y la incertidumbre de todo lo demás.
Esta semana quería centrarme en mi poema concreto porque pasé mucho tiempo en él y me siento un poco orgulloso. Si no lo sabe, los poemas concretos son poemas que toman la forma que quieran, utilizando el espacio en blanco como significado y estética. En mi opinión, estos son los mejores tipos de poemas porque mantienen mis ojos entretenidos e intrigados mientras leo, lo que la mayoría de las veces no sucede. También realmente aprecio una pista, o alguna pista útil sobre el significado de las palabras / poema. A veces puede ser realmente difícil incluso obtener el concepto básico de algo que lees, pero en el caso del poema concreto, obtienes una pista sin siquiera leer. Estos poemas me recuerdan a los libros para niños y, mientras escribía, sentía que podía activar una parte aún mayor de mi lado creativo que cuando normalmente escribo un poema estándar. ¡En mi opinión, creo que todos los poemas deberían ser poemas concretos!
Este otoño pude estudiar en el extranjero en Argentina. Si aún no lo sabías, tienes suerte porque hablo de eso todo el tiempo. Durante mi estadía en el extranjero, apenas tuve que hacer la tarea, fui a la playa, viajé los fines de semana, la vida nocturna fue muy divertida, y todas estas cosas que atesoraré, pero algo que no esperaba, era aprender sobre la historia de Argentina y apreciar mi tiempo en el extranjero específicamente para esto. Por lo general, no me gusta la historia, y fue mi asignatura menos favorita en la escuela secundaria, principalmente porque aprendimos temas repetitivos cada vez sobre cómo un grupo de hombres blancos estableció la independencia de otro grupo de hombres blancos. Pero debido a esto, he estado cerrado a gran parte de la historia, y básicamente a todo el pasado de América del Sur. Ir a Argentina y aprender de esa manera fue increíble. Volviendo a nuestro tema de discusión para esta semana de clase, aprendimos sobre Chile en los años 1970-1990. Esta vez fue muy similar tanto para Argentina como para Chile, un período muy oscuro, donde ocurrieron dictaduras y también lo hicieron las “guerras sucias”. Nunca había oído hablar de tales “guerras sucias” antes de ir a Argentina, y es por eso que me afectó tanto y me golpeó hasta el fondo. Escuchar sobre brutalidades y luego poder ir a los lugares donde ocurrieron estos horribles actos fue una locura y una verdadera experiencia fuera de la escuela. Aprender cosas con lápiz y papel o en una pantalla durante tanto tiempo lo desensibiliza y casi no hace que las cosas parezcan reales. Aprender sobre el período más oscuro de la historia de Argentina realmente me influyó y me molestó, y creo que nunca lo olvidaré en mi vida. En el caso de Chile, su dictadura fue mucho más larga que la de Argentina, lo que me causa una gran tristeza a las personas que vivieron y murieron en este horrible momento. Sin embargo, después de ver la película “La ciudad de los fotógrafos” e investigar los movimientos de los fotógrafos en Chile durante la dictadura y sobre la AFI (La Asociación de Fotógrafos Independientes) restauró algo de fe en la humanidad y me hizo sentir más complacido. Si aprendí algo de mi tiempo en Argentina, entonces aprendí que era absolutamente aterrador y que la esperanza estaba inundada de oscuridad. La forma en que los fotógrafos profesionales y los “free-lancers” que poseían una cámara horrible podían unirse e intentar hacer todo lo posible para derrotar a una dictadura es increíblemente poderosa. Estos fotógrafos venderían sus fotos a cualquier fuente de medios que pagaría por ellas, intentando exponer a los corruptos militares de Pinochet a otros países y a sus seguidores. También imprimieron sus propios trabajos e intentaron exponer sus fotos en las calles porque la censura era muy mala. La razón por la que los fotógrafos eran tan valientes y fuertes es porque Pinochet estaba tratando de encubrir y censurar todo, manteniendo a todo el público ignorante. Por lo tanto, los soldados harían esfuerzos violentos y agresivos para evitar que se tomen estas fotos, como asesinatos y golpes. Mientras tanto, cada medio de comunicación en Chile tenía que obtener todos sus artículos, fotos, noticias, radio, etc., aprobados por el gobierno antes de su lanzamiento. Muchos fotógrafos y periodistas fueron acosados por personas del gobierno que los observaban y recibieron amenazas de muerte. La censura en Chile fue tan mala que durante algún tiempo prohibieron todas las imágenes fotográficas. Un ejemplo divertido de esto que encontré mientras investigaba la censura en Chile fue la censura de la Sra. Pinochet, la esposa del dictador, que obligó a los medios a describir su atuendo en lugar de una imagen. El artículo se vio obligado a decir “Sra. Lucia Pinochet con un hermoso vestido azul y un sombrero de plumas …” (Hart). La valentía de los fotógrafos que participaron en el movimiento para arrojar luz sobre la dictadura de Pinochet no tiene parangón, y estoy muy contenta de que finalmente esté aprendiendo sobre ellos y pueda honrarlos al compartir su valiente historia.
Antes de esta clase, había tomado otra “clase de arte” en español y dimos un paseo mural por Eugene. Fue hermoso. Me encantó. Pero nuestra clase era tan amplia que nunca profundizamos en ningún artista o mural en general. Solo rozamos la superficie.
Aprender sobre Orozco fue interesante y emocionante para mí. Apenas sabía quién era antes de esta semana y experimentar su arte era como conocer a un nuevo Diego Rivera, uno que no era tan publicitado. He aprendido muchas veces las mismas cosas sobre Diego Rivera, fue muy repetitivo. Pero esta vez me concentré más en el arte y, lo que es más importante, en el arte de las personas que lo rodean, como los otros miembros de los “tres grandes”. Lo que inicialmente me atrajo a Orozco fue la lectura “New World, New races, New Art”. Me gustó mucho este artículo porque era fácil de leer y tenía sentido, Orozco utiliza una metáfora muy vívida que agrega claridad muy necesaria a sus ideas innovadoras. La metáfora que usa es comparar e imaginar cómo sería si Manhattan, Nueva York, copiara la arquitectura de los antiguos egipcios y tuviera pirámides allí en lugar de los infames rascacielos de Nueva York. Aunque todavía sería indudablemente bonito y sorprendente, el público / resto del mundo no tendría la misma fascinación con la ciudad, y en cambio iría a visitar las pirámides originales en Egipto. Como la séptima ciudad más visitada del mundo, la ciudad de Nueva York recibe mucha atención, y estoy de acuerdo con Orozco, no creo que sería así si fuera una copia de otra cosa, no importa cuán agradable sea Copiar. Esta metáfora realmente me permitió dejar que se hundiera lo que Orozco decía, donde podía imaginarlo y decidir si quería escuchar lo que decía o no.
Mi mural favorito de Orozco que he visto hasta ahora es su “Prometeo” que está en el Colegio Pomona. Mi papá fue al Colegio Pomona en el sur de California, mudándose fuera del estado de Oregón para ir allí. Siempre pensé mucho en Pomona porque sacó a mi padre del estado y comenzó su carrera, más tarde en California conoció a mi madre, y así sucesivamente. Prometeo es el primer mural importante de Orozco cuando salió de México para dedicarse al arte mexicano en los Estados Unidos. El espacio donde se pinta “Prometeo” es perfecto, la arquitectura juega en el mural muy suavemente. Las paredes comienzan a derrumbarse cuando Prometeo intenta evitar que el techo y las paredes se derrumben. Detrás de él, de pie, agazapado y cayendo, hay docenas de personas que intentan sobrevivir y no ser aplastadas por el debilitamiento del interior. Si no sabes quién es Prometeo, es un titán de la mitología griega, una figura que representa un campeón de la humanidad. Su historia es que robó el fuego de los dioses y se lo dio a los humanos / mortales. Aquí es donde se vuelve moderadamente político … Orozco puede representar con precisión a México, junto con muchos otros países en ese momento en este mural. Muchos civiles han luchado para salir de las malas situaciones en las que otros gobiernos y dictadores los habían metido. Especialmente en México, acababan de salir de una dictadura autoritaria y estaban en camino a la autosuficiencia y a aprender de los errores del pasado.
No he pasado tanto tiempo decidiendo qué tipo de arte es mi favorito, pero uno de ellos definitivamente debe incorporar basura u objetos comunes en la obra de arte. Creo que es muy creativo hacerlo, usar pintura y materiales de arte reales es divertido y todo, pero usar otros materiales permite que el cielo sea el límite. Solo hay una cantidad limitada de materiales de arte como pintura acrílica, acuarelas, lápiz, etc., sin embargo, he visto obras de arte hechas de gorras, basura, papel y arena. Es mucho más interesante para mí ver una nueva pieza de arte hecha de lo que el artista quería y destinada para esa pieza. Tiendo a captar el mensaje o el propósito de la obra de arte que el artista quería más rápido, o más profundamente de esta manera, ya que hay casi un tercer sentido del arte entrando en la obra. Casi me recuerda a los libros de esos niños que incluyen pieles adentro. Lo que quiero decir es que algunos libros para niños incluyen pieles, papel de lija u otros objetos texturizados en el “arte” o dibujos en algunas de las páginas. Hacen esto para llamar la atención de la audiencia y entusiasmarlos a tocar cosas, porque en este caso generalmente tienen 5 años (pero bueno, todavía me encantan esos libros). De todos modos, el punto de esto es que esos libros me ayudan a aprender sobre el contenido del libro porque estoy más comprometido y puedo tocar y sentir los detalles del libro, por ejemplo, la espalda del dragón podría sentirse espinosa por el papel de lija, haciéndome creer que podría ser peligroso. . De manera similar, el arte que usa basura, encajes y otros objetos me ayuda a comprender el contenido. Creo que esto se debe a que, de algún modo, activa un tercer sentido. Sé que no puedo tocar el arte, pero como se trata de objetos comunes, he visto y sentido estos objetos muchas veces, así que puedo imaginarlo y pensar en experiencias pasadas cómo se ve y se siente de cerca porque soy tan familiarizado con eso. En el caso de Berni y Juanito, la basura hizo un excelente trabajo al hacerme imaginar una calle sucia y deteriorada de la vida real, gracias a la basura. Pude imaginar esta calle fácilmente porque recientemente regresé de Argentina para estudiar en el extranjero y algunas calles de Buenos Aires definitivamente se ven así. Las calles cubiertas de basura, aunque es triste decirlo, me ayudaron a imaginar una calle más deteriorada y eventualmente me hicieron pensar y imaginar un par de calles en Argentina. Disfruto y aprecio los objetos incorporados al arte porque creo que agrega valor, dándonos ayuda para interpretar la obra de arte y captar nuestra atención en el proceso.
