El arte del cuerpo de Carlos Martiel combina todos los elementos de lo que hemos estado estudiando en esta clase. El arte político, la propoganda, el legado colonial y la ruptura de las reglas del arte tradicional. Los temas del arte de Martiel se alinean fuertemente con los acontecimientos de nuestra sociedad hoy. La semana pasada, George Floyd fue matado por un oficial de policía de Minneapolis, y el mundo se está uniendo para demandar la justicia. Estas desigualdades raciales han sido arraigadas en los sistemas de nuestro país, desde los primeros colonizadores hasta nuestra administración actual.

Una de las obras que me impactó se título, “Plaga”. Martiel se acostó en el suelo mientras un exterminador lo roció con pesticidas. Esto muestra cómo los países occidentales han tratado a los comunidades de color como una plaga que debe ser tratada violentamente para controlar. Los pesticidas son simbólicos en esta exposición, pero la violencia es muy real. Las minorías son conscientes de la xenofobia y el racismo cada día de sus vidas, hasta el punto de que temen por sus vidas. Las personas que se supone que los protegen están en contra de ellxs.

El uso de su cuerpo como lienzo es simbólico de cómo los países europeos y occidentales han tratado los cuerpos negros como objetos. Martiel quiere que sus espectadores se sienten incómodos, porque antes de que pueda haber cambio, deben ser el reconocimiento del problema. Esto conecta con las protestas en todo el mundo hoy y la exposición de instituciones gubernamentales corruptas como la fuerza policial. Carlos Martiel usa su arte para despertar conversaciones y llamar la atención sobre las disparidades creadas por el apartheid global.

Esta semana pasada nos ha demostrado a todos que es la hora de un cambio sistémico. Clases como ésta me han enseñado lo importante que es educarse sobre temas como la desigualdad, el colonialismo y los movimientos activistas del pasado. Me ha ayudado a entender mi propio privilegio y cómo puedo encontrar maneras de ser un aliado para la gente de color. Seguiré viendo el arte como propoganda en el futuro, y espero ver cambios reales como resultado de la movilización de las masas.

“Plaga” de Carlos Martiel.

Una cartel que vi cerca de mi barrio en Eugene. Debemos enfrentar estos problemas de iniquidad para poder evolucionar para el mejor.

Frida Kahlo ha sido una de mis inspiraciones personales para toda mi vida. Mi padre es de México y mi madre es de California suburbana, así que puedo relacionarme con la sensación de vivir entre dos mundos culturales. Frida vino a los Estados Unidos con Diego Rivera y se sintió fuera de lugar. Yo estoy de acuerdo con el mensaje de su pintura, Allá cuelga mi vestido. Utiliza simbolismo para destacar las calidades materiales y superficiales de los Estados Unidos. El capitalismo resulta en la priorización de la riqueza sobre el bienestar de la población. En mi opinión, Frida era una obra de arte, y se ha convertido en un ícono cultural. Es íronico que su rostro aparezca en camisetas, carteles y otras cosas provechosas. Ella estaba en contra de la producción en masa y de artículos de un solo uso que conducen a los desechos.

En mis ojos ella representa el orgullo mexicano. Es obvio que ella valoró la tradición, como las flores en su pelo y sus trajes tradicionales de Tehuana. Frida tenía una vida dura, que le dio forma a su arte. Pintó el mundo como lo vio y sintío sus emociones profundamente. Ella me inspira a crear mis propios definiciones de la feminidad y decir mi mente. Me vestí como ella para Halloween el año pasado y fue muy empoderante.

Espero que la sociedad se tome el tiempo para entender que Frida es más que un icono de la cultura pop. Fue una activista, feminista y artista que allanó el camino para otras artistas latinas. Ella es un ejemplo de cómo el arte es una forma de autoexpresión y tiene el poder de exponer las duras realidades de nuestro mundo. Esta semana me ha mostrado que siempre hay más que aprender sobre Frida y sus obras.

Esta foto muestra cómo Frida mezcló sus papeles como artista y activista. Artistas tienen el poder de crear propoganda política.

Mi intento de recrear el estilo de Frida.

Nunca había oído del arte concreto antes de esta semana. Siempre he visto el arte como algo más que un objeto sin vida. Artistas como Hélio Oiticica de Brazil han creado exposiciones que llevan al espectador a otro lugar. Me gusta el termino “quasi-corpus” y la mentalidad que el arte puede tener una vida propia. Oiticica lo demuestra en su exposición, Tropicália, que creó un mundo para los espectadores. Arena y plantas se utilizaron para frente el stereotipo tropical que tiene Brasil. Una cita que realmente me gustó fue, “un mapa en el que puedes entrar”, para describir el arte de Oiticica. Esto me recuerda a cuando fui al MOMA en San Francisco y me sentí transportado a la imaginación de los artistas. Las exposiciones eran ejemplos de cómo cualquier cosa puede ser arte.

Neoconcretismo es un tipo de arte que rechaza el legado colonial que se ve a través de las reglas del arte tradicional. El arte de latinxs es a veces visto como inferior y no se considera como “arte fino”. Los artistas neoconcretos redefinen el significado del arte y sus obras son superiores a las pinturas sin sentido en my opinión. Escribí un poema concreta sobre la luna que está en la forma de un creciente. Siempre he amado la poesía y la creatividad, así que este ejercicio me pareció realmente agradable. Me alegro de que haya aprendido sobre el movimiento concreto en el arte y la poesía

Mi poema:

Tucumán Arde fue un movimiento que invulcró a varios artistas y exhibiciónes interactivas. Una de mis partes favoritas de esta clase ha sida aprender sobre artistas que desafían las reglas tradicionales del arte. Grafiti, palabras, imágenes, y audio son medios extremadamente poderosos para enviar mensajes políticos. La censura gubernamental en los años 60 en Argentina llevó a artistas como Graciela Carnevale, Norberto Puzzolo, Jorge Cohen, Noemí Escandell, y más a encontrar formas únicas de difundir información. Lo que me pareció más interesante fue el aspecto interactivo de la exposición, permitiendo a la audencia participar en la discusión. También, me gusta cómo los artistas recogieron fotos, videos, y artículos para destacar la pobreza en Tucumán. Estos hechos lo hacen indiscutible que hay una necesidad de justicia en esta ciudad. También demuestra cómo el arte puede servir como propoganda política. A pesar de que esta forma de arte no es permanente, afecta al espectador de una manera que el arte de una galería nunca podrá. Tucumán Arde mostró el poder que las masas pueden tener cuando buscan información y se educan sobre las realidades de su sociedad. Este tipo de arte puede ser una inspiración para otras comunidades oprimidas que necesitan una voz pero están restringidas por su sistema gubernamental. Espero que estas partes de la historia se pueden ser enseñadas más a las generaciones jóvenes que sienten que no tienen un voz en sociedad.

Esta imagen muestra el carácter de la exposición, porque fue una experiencia interactiva en lugar de una inspección pasiva. Los múltiples elementos de la exposición son lo que la hizo tan impactante.

El arte viene en muchas formas diferentes, pero esta semana vimos los materiales actuales usados para crear el arte politico. Muchas personas en los Estados Unidos pasan por alto el hecho de que la gran depresión afectó a todo el mundo. Debido a la globalización, países como Argentina experimentaron una disminución en el precio de las materias primas. No había aprendido sobre el movimiento del nuevo realismo social, pero estaba intrigado por el arte de Antoni Berni. Él dio un nuevo propósito a material que por lo general sería tirado en la basura o visto como inútil. Creo que esta fue una manera increíblemente creativa e ingeniosa de resaltar la desigualdad social en Argentina. La clase obrera se le dio una voz a través de estas creaciones y personajes simbólicos como Juanito. La película, Wasteland, llamó la atención a los vertederos en Brasil y las horribles condiciones de trabajo. Similar a Berni, Vic Muñiz desafió lo que normalmente se considera arte fino. Fue desgarrador ver la realidad de la comunidad de Jardim Gramacho. A pesar de que el proyecto cambió la vida de muchos de los trabajadores, esto no es una problema aislado. Los países en desarrollo tienen que hacer frente a las externalidades negativas del mundo occidental. Creo que es importante que los artistas utilicen su privilegio para destacar la pobreza y las disparidades sociales. Las obras de esta semana muestra la complejidad del proceso político artístico, desde la ubicación de la creación hasta los materiales físicos involucrados. Me ha ayudado a entender que una artista tiene el poder de convertir cualquier cosa en una obra de arte impactante.

Esta creación de Muñiz y la gente de Jardim Gramacho es tan poderosa en mi opinión. Se puede ver tantos detalles de su expresión facial, y su sonrisa es contagiosa. Es impresionante que algo tan hermoso está hecho de basura.

Creciendo en San Francisco, los murales siempre han jugado un papel en el desarrollo de la comunidad en la que vivo. Los murales son accesibles para cada tipo de persona, y tienen la capacidad de simbolizar movimientos enteros. El mundo de acción política y el arte comienzan a combinar a medida que el sociedad demanda un cambio social. El material de esta semana destacó los tres grandes, o Diego Rivera, Jose Clemente Orozco y David Alfaro Siqueiros.  Estos artistas reconocieron el poder que el arte público tiene para enviar un mensaje político. Los murales son una forma de arte que no se puede sacar provecho o colocar en museos privados. Las clases elites pueden tener control sistemático, pero no pueden silenciar el público. Es por esta razón que el arte publico es la voz de las masas, y por que estos artistas del  siglo XX estaban usando murales como propoganda. El arte público se ha utilizado para resistir la explotación de los trabajadores latinxs en los Estados Unidos. El video, “Riveras Detroit – The Labor of Public Art”, mezcla imágenes de Rivera pintando sus murales, las condiciones dentro de las fábricas de Ford y las manifestaciones. Este breve video muestra la conexión entre el arte y la política, y es un gran ejemplo de la línea fina que existe entre los dos. Las comunidad oprimidas son capaces de solidarizarse y crear movimientos fuertes a través del arte. El distrito de la misión en San Francisco es el hogar de cientos de murales que reflejan las experiencias de la comunidad latinx. Los murales destacan la fea historia, y al mismo tiempo proporcionan esperanza para las generaciones futuras.

Tomé esta foto en el calle Balmy en San Francisco. Las imágenes en el mural están destinadas a extender la conciencia sobre la explotación de la comunidad latinx por los Estados Unidos. No suaviza el tema. Es simplemente injusto.

Nunca había oído el termino canibalismo cultural hasta esta semana. Me parece muy interesante este concepto y explica el proceso de reclamar la cultura brasileña a través de arte moderna. La cultura anglo dominante a menudo ha descartado el arte de las culturas latinxs como inferior o exótica. Tarsila do Amaral es un ejemplo de una artista moderna que se inspiro en su propia cultura brasileña, e influencias culturales externas. Me gustan las figuras exageradas y colores vibrantes en sus pinturas. Estas pinturas inspiraron Oswald de Andrade a escribir su ensayo, “Manifesto Antropófago” en 1928. El movimiento era sobre nacionalismo brasileño en un mundo moderna. También era una manera de hacer una declaración política sobre el legado colonial del mundo occidental.

“Latin American Cultures: Mimicry or Difference” expresa la lucha de los latinx para ser validado en el mundo del arte. Nelly Richard habla sobre el proceso de aprovechar la información aprendida a través del colonialismo europeo con el fin de crear algo único. El colonialismo ha impactado la identidad latinx, el arte y el estatus social, así que creo que una digestión cultural tiene mucho sentido al describir este movimiento artístico. Muchos artistas modernos de hoy en día mezclan culturas para producir un producto que es mas rica. Personalmente, Me gusta el arte que obliga al espectador a pensar y reflexionar sobre algo mas que la belleza de la pintura.

Fui a la exposición para el libro “Bajo los pies de jesus” en el museo de arte este invierno. “Sun Mad”, de Ester Hernández estaba en la exposición. Combina algo de la cultura capitalista anglo y una declaración política sobre la explotación de trabajadores latinxs.

Esta semana aprendí más sobre el impacto del colonialismo occidental en el mundo del arte, específicamente en la historia de arte afrocubano. Mi elemento favorito fue la oportunidad de aprender mas sobre la vida y el legado de Jean-Michel Basquiat. Había oída su nombre antes pero no sabia lo único que era su arte o el papel de la sociedad en su caída. El documental sobre su vida estaba muy bien hecho, detallando su humilde comienzo a su estilo de vida millonario. Algo llamativo fue como los críticos y el publico llamado Basquiat el “Picasso negro”. Esto es representativo del mundo occidental que quiere que todo el arte hablar a ellos y estar relacionado con su cultura dominante. Creo que el periodo de tiempo opresivo en el que vivía Basquiat no le ayudo a ser apoyado correctamente como artista. Su legado vive hoy y es un capitulo importante en la historia del arte.

El documental, “Statues Also Die” muestra como la cultura occidental intenta manipular la historia, incluso cuando no les pertenece. Estatuas africanas están destinadas a ser adoradas e interactuados con. La puesta de las estatuas detrás de cajas en los museos europeos para ser comercializados es irrespectuoso de la comunidad africana. Creo que este video muestra como las diferentes culturas interactúan con su arte. El arte no debe ser considerado de clase superior porque proviene de un país occidental.

Me interesa considerar la relación entre el imperialismo de los países occidentales y la historia del arte. Esta relación es intrínsecamente política, ya que el arte es a menudo una expresión de identidad y una declaración de creencias. Creo que esto da al arte un montón de poder y arroja una luz sobre las voces que normalmente no se escuchan.

Un foto de grafiti que encontré en un camino cerca de mi casa. El arte de la calle todavía es arte.

Hola y bienvenido a mi blog. Los materiales de esta semana me ayudaron a obtener una comprensión mas profunda de la relación entre el arte y la política. El arte puede contar una historia que comunica un mensaje a sus espectadores. En el caso de esta clase, los artistas están utilizando el arte como una forma de reclamar su historia y cultura. Las personas con poder son aquellos que pueden escribir historia y decidir como presentar información de una manera que esta en su favor. La cultura anglo dominante de los Estados Unidos ha utilizado el imperialismo fronterizo para para poner latinxs en la “otra” categoría. El poder político que el arte puede tener es tan poderoso, puede ser una forma de rebelión.

Uno de los materiales que me interesa era el Codex Espangliensis. Me gusta la manera en que las artistas combinan las culturas mexicanas, indígena, y americana tan bellamente. Hibridez es la mejor palabra para describir esta obra. La mezcla de prosa, poesía y dibujos, así como la mezcla entre ingles y español es impresionante. Mi padre es de México y mi madre es de los Estados Unidos, y puedo relacionarme con el sentimiento de estar en el medio de dos culturas. Ingles es mi primer idioma, pero ahora estoy estudiando español y he hecho mucho progreso. El arte de la generación emergente de latinxs esta las reglas para el arte y la cultura.

Pienso que “Documentado/Indocumentado” era otra obra interesante que desafía los estereotipos del arte. Justo como chicanos, esta obra de arte no puede ser definida como una cosa. Los diferentes elementos como audio, video y texto lo hacen una experiencia completa para el espectador. Si el arte va a transformar las opiniones, entonces debe ser radical y empujar los limites. Creo que todos los materiales de esta semana apoyan la idea de que el arte puede ser un movimiento político, una pieza de historia y una experiencia personal.

Esta es una foto que tomé en la calle Balmy en San Francisco. Hay una calle que tiene murales y obras de arte que representan la historia y la resistencia de la comunidad latinx. Frida Kahlo es una de mis inspiraciones personales y admiro su arte.