El arte del cuerpo de Carlos Martiel combina todos los elementos de lo que hemos estado estudiando en esta clase. El arte político, la propoganda, el legado colonial y la ruptura de las reglas del arte tradicional. Los temas del arte de Martiel se alinean fuertemente con los acontecimientos de nuestra sociedad hoy. La semana pasada, George Floyd fue matado por un oficial de policía de Minneapolis, y el mundo se está uniendo para demandar la justicia. Estas desigualdades raciales han sido arraigadas en los sistemas de nuestro país, desde los primeros colonizadores hasta nuestra administración actual.

Una de las obras que me impactó se título, “Plaga”. Martiel se acostó en el suelo mientras un exterminador lo roció con pesticidas. Esto muestra cómo los países occidentales han tratado a los comunidades de color como una plaga que debe ser tratada violentamente para controlar. Los pesticidas son simbólicos en esta exposición, pero la violencia es muy real. Las minorías son conscientes de la xenofobia y el racismo cada día de sus vidas, hasta el punto de que temen por sus vidas. Las personas que se supone que los protegen están en contra de ellxs.

El uso de su cuerpo como lienzo es simbólico de cómo los países europeos y occidentales han tratado los cuerpos negros como objetos. Martiel quiere que sus espectadores se sienten incómodos, porque antes de que pueda haber cambio, deben ser el reconocimiento del problema. Esto conecta con las protestas en todo el mundo hoy y la exposición de instituciones gubernamentales corruptas como la fuerza policial. Carlos Martiel usa su arte para despertar conversaciones y llamar la atención sobre las disparidades creadas por el apartheid global.

Esta semana pasada nos ha demostrado a todos que es la hora de un cambio sistémico. Clases como ésta me han enseñado lo importante que es educarse sobre temas como la desigualdad, el colonialismo y los movimientos activistas del pasado. Me ha ayudado a entender mi propio privilegio y cómo puedo encontrar maneras de ser un aliado para la gente de color. Seguiré viendo el arte como propoganda en el futuro, y espero ver cambios reales como resultado de la movilización de las masas.

“Plaga” de Carlos Martiel.

Una cartel que vi cerca de mi barrio en Eugene. Debemos enfrentar estos problemas de iniquidad para poder evolucionar para el mejor.

Frida Kahlo ha sido una de mis inspiraciones personales para toda mi vida. Mi padre es de México y mi madre es de California suburbana, así que puedo relacionarme con la sensación de vivir entre dos mundos culturales. Frida vino a los Estados Unidos con Diego Rivera y se sintió fuera de lugar. Yo estoy de acuerdo con el mensaje de su pintura, Allá cuelga mi vestido. Utiliza simbolismo para destacar las calidades materiales y superficiales de los Estados Unidos. El capitalismo resulta en la priorización de la riqueza sobre el bienestar de la población. En mi opinión, Frida era una obra de arte, y se ha convertido en un ícono cultural. Es íronico que su rostro aparezca en camisetas, carteles y otras cosas provechosas. Ella estaba en contra de la producción en masa y de artículos de un solo uso que conducen a los desechos.

En mis ojos ella representa el orgullo mexicano. Es obvio que ella valoró la tradición, como las flores en su pelo y sus trajes tradicionales de Tehuana. Frida tenía una vida dura, que le dio forma a su arte. Pintó el mundo como lo vio y sintío sus emociones profundamente. Ella me inspira a crear mis propios definiciones de la feminidad y decir mi mente. Me vestí como ella para Halloween el año pasado y fue muy empoderante.

Espero que la sociedad se tome el tiempo para entender que Frida es más que un icono de la cultura pop. Fue una activista, feminista y artista que allanó el camino para otras artistas latinas. Ella es un ejemplo de cómo el arte es una forma de autoexpresión y tiene el poder de exponer las duras realidades de nuestro mundo. Esta semana me ha mostrado que siempre hay más que aprender sobre Frida y sus obras.

Esta foto muestra cómo Frida mezcló sus papeles como artista y activista. Artistas tienen el poder de crear propoganda política.

Mi intento de recrear el estilo de Frida.

Nunca había oído del arte concreto antes de esta semana. Siempre he visto el arte como algo más que un objeto sin vida. Artistas como Hélio Oiticica de Brazil han creado exposiciones que llevan al espectador a otro lugar. Me gusta el termino “quasi-corpus” y la mentalidad que el arte puede tener una vida propia. Oiticica lo demuestra en su exposición, Tropicália, que creó un mundo para los espectadores. Arena y plantas se utilizaron para frente el stereotipo tropical que tiene Brasil. Una cita que realmente me gustó fue, “un mapa en el que puedes entrar”, para describir el arte de Oiticica. Esto me recuerda a cuando fui al MOMA en San Francisco y me sentí transportado a la imaginación de los artistas. Las exposiciones eran ejemplos de cómo cualquier cosa puede ser arte.

Neoconcretismo es un tipo de arte que rechaza el legado colonial que se ve a través de las reglas del arte tradicional. El arte de latinxs es a veces visto como inferior y no se considera como “arte fino”. Los artistas neoconcretos redefinen el significado del arte y sus obras son superiores a las pinturas sin sentido en my opinión. Escribí un poema concreta sobre la luna que está en la forma de un creciente. Siempre he amado la poesía y la creatividad, así que este ejercicio me pareció realmente agradable. Me alegro de que haya aprendido sobre el movimiento concreto en el arte y la poesía

Mi poema:

Tucumán Arde fue un movimiento que invulcró a varios artistas y exhibiciónes interactivas. Una de mis partes favoritas de esta clase ha sida aprender sobre artistas que desafían las reglas tradicionales del arte. Grafiti, palabras, imágenes, y audio son medios extremadamente poderosos para enviar mensajes políticos. La censura gubernamental en los años 60 en Argentina llevó a artistas como Graciela Carnevale, Norberto Puzzolo, Jorge Cohen, Noemí Escandell, y más a encontrar formas únicas de difundir información. Lo que me pareció más interesante fue el aspecto interactivo de la exposición, permitiendo a la audencia participar en la discusión. También, me gusta cómo los artistas recogieron fotos, videos, y artículos para destacar la pobreza en Tucumán. Estos hechos lo hacen indiscutible que hay una necesidad de justicia en esta ciudad. También demuestra cómo el arte puede servir como propoganda política. A pesar de que esta forma de arte no es permanente, afecta al espectador de una manera que el arte de una galería nunca podrá. Tucumán Arde mostró el poder que las masas pueden tener cuando buscan información y se educan sobre las realidades de su sociedad. Este tipo de arte puede ser una inspiración para otras comunidades oprimidas que necesitan una voz pero están restringidas por su sistema gubernamental. Espero que estas partes de la historia se pueden ser enseñadas más a las generaciones jóvenes que sienten que no tienen un voz en sociedad.

Esta imagen muestra el carácter de la exposición, porque fue una experiencia interactiva en lugar de una inspección pasiva. Los múltiples elementos de la exposición son lo que la hizo tan impactante.

El arte viene en muchas formas diferentes, pero esta semana vimos los materiales actuales usados para crear el arte politico. Muchas personas en los Estados Unidos pasan por alto el hecho de que la gran depresión afectó a todo el mundo. Debido a la globalización, países como Argentina experimentaron una disminución en el precio de las materias primas. No había aprendido sobre el movimiento del nuevo realismo social, pero estaba intrigado por el arte de Antoni Berni. Él dio un nuevo propósito a material que por lo general sería tirado en la basura o visto como inútil. Creo que esta fue una manera increíblemente creativa e ingeniosa de resaltar la desigualdad social en Argentina. La clase obrera se le dio una voz a través de estas creaciones y personajes simbólicos como Juanito. La película, Wasteland, llamó la atención a los vertederos en Brasil y las horribles condiciones de trabajo. Similar a Berni, Vic Muñiz desafió lo que normalmente se considera arte fino. Fue desgarrador ver la realidad de la comunidad de Jardim Gramacho. A pesar de que el proyecto cambió la vida de muchos de los trabajadores, esto no es una problema aislado. Los países en desarrollo tienen que hacer frente a las externalidades negativas del mundo occidental. Creo que es importante que los artistas utilicen su privilegio para destacar la pobreza y las disparidades sociales. Las obras de esta semana muestra la complejidad del proceso político artístico, desde la ubicación de la creación hasta los materiales físicos involucrados. Me ha ayudado a entender que una artista tiene el poder de convertir cualquier cosa en una obra de arte impactante.

Esta creación de Muñiz y la gente de Jardim Gramacho es tan poderosa en mi opinión. Se puede ver tantos detalles de su expresión facial, y su sonrisa es contagiosa. Es impresionante que algo tan hermoso está hecho de basura.