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Algo que seguí pensando hoy fue la suerte que tengo de tener la libertad de expresar mis creencias sin temor. Soy capaz de acceder a un millón de formas de expresión y creatividad con el toque de mis huellas dactilares, para o contra cualquier cosa. La vida no es así para todos, incluso hoy en día, y para el pueblo brasileño durante la dictadura militar 1964-1985, esa fue su realidad. A través de este tiempo difícil, las reglas cambiaron cuando se trata de expresión, y los artistas encontraron maneras de adaptarse. Debido a que los ciudadanos de Brasil estaban tan reprimidos y limitados en su capacidad de hablar sobre temas, incluso el arte estaba restringido. Un grupo de artistas se unieron, en su mayoría mujeres, y se llamaron grupo frente en 1958. Fueron capaces de liderar el camino en el movimiento neoconcretismo al ir en contra de las reglas. Rechazaron la figuración y el nacionalismo del anterior estilo modernista de la pintura brasileña. Esta nueva forma de arte era una manera para que los artistas se expresen de una manera aparentemente no política. De esta manera, fueron capaces de volar bajo el radar de conseguir en problemas, pero todavía capaz de lograr sus objetivos con sus piezas. Mis dos líderes favoritos de este movimiento fueron Lygia Clark y Lygia Pape, ambos tenían diferentes perspectivas que son muy intrigantes.

Algo que estos dos artistas tenían en común era encontrar maneras para que su audiencia fuera una parte activa de las piezas que crearon. Esto para mí parecía monumental en el cambio de la forma en que operan los museos y la experiencia general para un miembro de la audiencia. Siempre se nos dice que no toquen, que no se acerque demasiado, sólo para observar, sin embargo, con su arte alentaron a sus espectadores a unirse a la creación.

Lygia Clark no sólo creó algunas esculturas masivas geométricas brillantes, sino que también hizo que las cosas fueran una experiencia. Una pieza titulada, “Nostalgia do corpo”, funciona como una exploración del cuerpo y la mente en el arte. Ella comenzó a utilizar el cuerpo como la herramienta principal para las experiencias perceptuales y emocionales. Ella comenzó a crear una pieza a diferencia de cualquier cosa hecha antes, algo increíblemente creativo. Clark diseñó campanas sensoriales que permitirían que los usuarios experimenten aromas, ruidos o sensaciones táctiles, y prendas que influirían en el movimiento, así como en experimentos respiratorios y libros sensoriales. A través de la activación de estos sentidos, fue capaz de llegar a su audiencia en un nivel más profundo.

A través de algunas de sus piezas, fue capaz de expresar su angustia económica. Con algunas de estas chaquetas y otras cosas para que el miembro del público se sienta, restringiría su movimiento corporal. Este fue un trabajo político sobre Brasil bajo dictadura, y cómo no restringe tales cosas como la vista, pero inhibe la misma libertad de movimiento. Esta sensación es muy frustrante e indefenso, casi como llevar una “straight jacket”. En general, estas mujeres cambiaron la historia del arte y pudieron encontrar una manera de expresarse bajo una terrible dictadura. Su trabajo inspiró a muchos otros y todavía muestran algunas de sus exhibiciones en todo el mundo, rehechas.

Frida Kahlo es mi artista femenina favorita y me emocionó descubrir que estábamos discutiendo sobre ella en esta clase. Es un símbolo importante en la historia del arte, una de las figuras más reconocibles junto a la Mona Lisa. Para el público en general es conocida por sus colores brillantes, las cejas, los vestidos icónicos, y la expresión facial de la firma, sin embargo, hay mucho más significado detrás de estas miradas. A través de aprender más sobre Frida y entender su identidad, más de sus pinturas muestran significados subyacentes para mí. Como se muestra en la exhibición, “Frida Kahlo: Appearances Can Be Deceiving”, en el museo en Brooklyn este año.
Kahlo vivió una vida muy difícil, llena de dolor crónico y operaciones que nunca terminan. Desde la superficie, vemos los hermosos vestidos largos, en realidad ella llevaba estos para cubrir sus piernas mal formadas. El Museo trabaja para mostrar esto, y cómo Frida usó su discapacidad para ser empoderado. También es una figura e inspiración femenina tan importante porque no sólo se dedicó al arte y la moda, sino que también le apasionaba la política y los ideales sociales. Me parece que esas cualidades son muy inspiradoras para las mujeres jóvenes. Ella se destacó, ella creó, y se convirtió en un icono.
Esta exhibición presenta muchos de sus famosos autorretratos, retratos pintados de ella por otros artistas famosos, y también muchas de sus emblemáticas posesiones. Me emocionó especialmente escuchar acerca de esta exhibición porque estas posesiones fueron excluidos de la vista pública debido a Diego Rivera. Había afirmado en su voluntad que sus posesiones no podían ser mostrados al público hasta 15 años después de su muerte. Esta exhibición trabajó para honrar su vida e identidad, no tanto sus habilidades de pintura. Sólo muestra 11 de sus pinturas aún 300 de sus objetos. Pensé que esto era extremadamente ordenado, ya que intentaron hacer que el público entendería más de su vida y destacara su discapacidad.
Mi parte favorita de la exhibición es una habitación llena de vestidos de Kahlo. Oscuros, verdes seductor, rosas pastel, rojos deslumbrantes-ella estaba por delante de su tiempo en la moda. No es sólo los vestidos, sin embargo, la mayoría de ellos vienen con piezas de la cabeza que son igualmente únicos.
No sólo la audiencia es capaz de ver sus vestidos de colores excepcionales, sino que también pueden ver lo que yace debajo, sus corsés médicos. Esto muestra a la verdadera Frida Kahlo, que vivía con una discapacidad y que no era sólo una mujer que llevaba vestidos bonitos. De hecho, eran una afirmación estilística, pero también un mecanismo de defensa. Una forma en la que podría deslumbrar al público mientras también se aseguraba de que sus cicatrices se ocultaban del mundo.
La exhibición se ve absolutamente fantástica, y me gustaría poder verla en persona. Parece que hace un gran trabajo en la exploración de quién era Kahlo como persona, y explica un poco más al público acerca de lo que realmente estaba sucediendo detrás de sus looks icónicos y pinturas.

Siempre busco obras de arte que me sorprenden. Los que me hacen cuestionar el mundo en el que vivimos. Después de ver la exposición, “The theater of Disappearance”, por Adrián Villar Rojas de Argentina, estoy tan emocionada a analizarlo. Es una experiencia diferente que intriga al espectador. Esta en MOCA, y es arte visual. El espectador no sólo sentarse y mirar, que son una parte activa en la experiencia. Este crea una experiencia por todos grupos de gente, hay una cosa a disfrutar por todo el mundo.
Es difícil a explicar los aspectos de la instilación porque son tan extraños. Para mi, pienso que mira como el espacio. Con rocas grandes, criaturas oceánicas, y todo iluminados por una luz brillante y fría. hay refrigeradores llenos de estos extraños objetos. Al principio, me pareció un museo, ya que estaba lleno de huesos y otros seres vivientes una vez. Parece que su intención era replicar el concepto de un museo. Esto se relaciona con cómo nosotros los humanos encontramos la necesidad de preservar todo, tenemos esta obsesión del pasado. Sin embargo, los huesos en el refrigerador no son precisos, son intencionalmente una mezcla aleatoria que no tiene sentido.
También pensé que había un contraste interesante con los seres vivos vs los muertos. Como habría flores y otras plantas mezcladas con criaturas marinas muertas y huesos. Una vez fue, y lo que es. Las flores en un nevera son un color blanco muy hermoso, mezclado con un verde profundo de las plantas y las hojas. Se ve fuera de lugar en el nevera de metal frío en lugar de en el exterior. Esto me hizo cuestionar mi propia mortalidad, y el mundo que me rodea como la naturaleza se está disminuyendo y también lo hacen nuestros animales.
Un parte de esta instalación que me gusta mucho fue su incorporación de artículos cotidianos producidos en masa de nuestro sociedad. Estos objetos se colocaron entre los peces muertos, las plantas, y otras cosas. Estos eran artículos como una rueda de bicicleta y una zapatilla. Esto casi se sintió como una escena de la película “Wall-e”, donde después de que los humanos han destrozado el planeta, todo lo que queda es todos nuestros objetos producidos en masa que destruyeron nuestro planeta. Pienso que fue una forma a jugar con la sensación futurista de ciencia ficción de toda la instilación. La pintura en las paredes es también este azul oscuro, me recuerda a lo que el cielo se ve como en la noche. Es un extraño en el medio en el espacio y el tiempo. Realmente parece como si estuvieras caminando a través de un planeta diferente, una especie de tierra de fantasía.
Toda la exhibición es bastante inquietante, no es cálida o acogedora. Me pareció que era duro y un poco incómodo, pero tal vez esa es su intención. Es oscuro y lleno de todos estos objetos que no son atractivos o hermosos. Me gusta mucho el mensaje entre el espacio y tiempo, y quiero visitarlo.

Hola! Quiero hablar sobre mi estilo favorito de arte y algunos de las artistas de latinoamérica que contribuyen al movimiento. Este estilo es impresionismo, y fue la más prominente durante los 1870s y 1880s. Muchos dicen que este objetivo del estilo es capturar el efecto sensorial de una escena, los objetos de impresión hechos en el ojo en un segundo rápido. Incluye las pinceladas finos y usó el sol y sombras a crear dimensión. En este estilo, era común utilizar temas comunes, no sólo el uso de la realeza o los ricos para retratos. Las artistas que me gustan mucho son Miguel Pou y José Campeche. Mirando sus pinturas, somos capaces de ver y sentir esta luz de la que habla. Ve su trabajo para contener raíces clásicas, también es importante notar cuán progresivos y universales eran realmente sus piezas. Así, para hacer esto, los pintores se inspiraron en las calles y al aire libre, ya no sólo desde el interior de su estudio.
La primera pintura que analizaré con Miguel Pou es sin duda su más famosa, “Los coches de Ponce”. Es una pintura de óleo sobre lienzo, que representa una calle de la ciudad hermosa en un día agradable y soleado. En un camino de tierra hay una línea de caballos en carruajes, una mezcla de caballos ligeros y oscuros. Detrás de los caballos y carruajes hay árboles de diferentes alturas. Los árboles son todas variedades diferentes, tonos de verde, púrpura claro, e incluso un rojo anaranjado. Detrás de los árboles, en una neblina, hay edificios. Lo que noto primero es la forma en que Pou capta la luz en esta pieza. Él describe cómo nuestra visión se ve cuando directamente en el sol fuera con mucha precisión. También capta la calidez dentro de los colores, creando una imagen muy suave y tierna. A pesar del tono cálido y nebuloso, esta pintura no es aburrida. A través del uso del árbol alto y retorcido con flores rojas brillantes, se añade un toque de color.
Esta imagen, un día promedio simple en Puerto Rico, es una ventana a la vida de las islas. Hay una cierta calma y relajación sentido, una imagen de lo que uno podría ver en un agradable paseo de un día de verano. Para muchos, Puerto Rico era un mundo desconocido, uno que muchos decían que era hermoso, pero esta pintura no sólo nos proporcionó una manera de ver cómo era, sino también sentirlo. Los caballos en carruajes alineados en la calle era algo tan normal y cotidiano que muchos artistas ni siquiera se habían pensado en tomar el tiempo para pintarlo. Sin embargo, Pou vio la belleza en la vida cotidiana y el entorno único que tenía Puerto Rico. Este escenario es importante, ya que muestra la simplicidad y la belleza natural de Puerto Rico, algo que estaba cambiando a medida que los Estados Unidos conquistaron su país. Pou fue capaz de presenciar cómo las cosas se mueven hacia un estilo de vida más moderno, haciendo que su gente renunciar a viejas tradiciones y adoptar nuevas prácticas.
Pienso que las pinturas de José Campeche son más formales, y hay muchas pinturas de los ricos. Pero con este, podemos ver la relevancia de este grupo y el impacto de su influencia en la sociedad. Aquí, tengo una pintura de dos chicas con flores. Los detalles de los flores son tan bonitas, y la ropa es tan elegante. Es una manera diferente que Pou pero es el mismo estilo de impresionismo.
Estas pinturas son importantes a notar porque representan una época de Puerto Rico tan importante. Fue durante una época de los cambios del gobierno, y también durante la revolución industrial.

El arte concreto tiene un énfasis en abstracción geométrica y fue muy popular en América Latina. Desarrolló muchas exposiciones y más tarde inspiró todos los nuevos tipos de movimientos artísticos. Me sorprendió saber que este movimiento no se inició en América Latina, sino en realidad en Suiza por Theo van Doesburg. Fue traído a América Latina en la década de 1940, donde floreció. Muchas de las temas centrales del arte concreto fue como arte es universal y como los elementos son simples, sin confundido.
Hubo grupos, muchos en Buenos Aires, que se reunieron y discutieron estos aspectos cruciales del arte concreto y cómo debería ser. Las reglas y los aspectos eran estrictos y rectos, y las piezas son distintas. La visión era de un lenguaje universal enraizado en un mínimo de elementos, un aspecto muy minimalista. Las obras de arte debían crearse para no expresar nada más que la lógica de su propia creación. Este tema es bastante confuso para mí, ya que siempre quiero encontrar el significado dentro de la obra de arte, y es interesante pensar que no necesariamente necesita tener algún significado profundo, simbólico, o subyacente.

Muchas de estas piezas son pinturas, pero también las que encontré que realmente me llamó la atención y que fueron las más emocionantes fueron las esculturales. Max bill fue un hombre de Suiza y él fue una de las mayores influencias en este movimiento. Incorporó un lado matemático al arte concreto. Un favorito personal que creó fue esta enorme escultura gris, parece una cinta interminable. Esto es hermoso de mirar, y lleva a los ojos a vagar en un bucle interminable, ya que sigue adelante.
En clase, hablamos sobre cómo el arte suele usar la colocación en el lienzo para dirigir los ojos para mirar la pieza en un cierto orden y forma. Esto también es cierto con el arte concreto, y lo podemos ver claramente en esta pintura de Tomás Maldonado, un pintor de Argentina. Se titula “Desarrollo del Triángulo” de 1951, y nuestros ojos son capaces de seguir a lo largo de la lona, comenzando desde la parte superior izquierda y ver la serie de desarrollos con líneas simples todo el camino a la derecha inferior.

Me gustó muchos aspectos de este estilo de arte, me recordó a la arquitectura y el estilo de la década de 1970. Pude ver muchas similitudes en los colores y la formación de las formas. En su mayoría disfruté Ver todos las esculturas, especialmente los que fueron creados geométricamente, muy incluso y agradable a los ojos. Especialmente los colocados en la naturaleza, parecía que estaba yuxtaponiendo los aspectos impredecibles de la naturaleza que es perfectamente medido lados y formación. En general, creo que este estilo de arte se vería muy bien en un hogar moderno. Su agradable a la vista con sus elementos simples y colores distintos.

Los Nuyoricans
Una mezcla de identidades, orgulloso de los dos, los Nuyoricans muestran su presencia y celebran su identidad de Estados Unidos y Puerto Rico en un desfile en el 15 de April cada año desde 1956. Las rimas de la isla y los colores vibrantes alinean la calle mientras las banderas puertorriqueñas son agitadas y la gente baila. Este evento está lleno de arte, incluyendo música tradicional Latina, poesía, danza y comida, creando un festival vibrante. Los programas y eventos en el evento se centran en la promoción de la cultura, las artes y la educación, con tributos especiales a destacados, figuras históricas y campañas para concienciar sobre cuestiones importantes en la comunidad. Esto se supone que es un día lleno de felicidad y aceptación, sin embargo, la forma en que los medios de comunicación lo han representado en ocasiones ha sido racista y no aceptado.

El grupo de puertorriqueños en los Estados Unidos es una minoría que ya sufre de aislamiento. Este día se supone que es una manera de darse a conocer y celebrar con sus compañeros ciudadanos de los Estados Unidos. Sin embargo, a través de muchos incidentes de medios de comunicación, este día ha tomado una connotación negativa y inexacta. Como “Law and Order”, y también en “Seinfield”, muestran el día de celebración en una luz negativa. A menudo son representados como salvajes, salvajes y anticiviles. La forma en que retrataban al macho puertorriqueño causó una sensación de desconfianza y temor, este estereotipo es injusto y extremadamente racista para atar a estos ciudadanos. Esto sólo se suma a diferenciarlos a otros ciudadanos blancos de los Estados Unidos. La representación de ellos como tal en la televisión conduce a la discriminación en su vida cotidiana, a pesar de que muchos de ellos nacieron en los Estados Unidos también. Esto ha demostrado la importancia de los medios de comunicación, y cómo afecta a una sociedad, influir en la perspectiva de las personas de los ciudadanos marrones. A menudo después de esta imagen de salvaje en los medios de comunicación, los machos marrones fueron etiquetados como peligrosos y criminales. Esta representación negativa que resalta los estereotipos y los valores inexactos de la comunidad puertorriqueña crea impactos negativos en la vida de estos ciudadanos.
Pienso que ese día es tan importante al cultura de la gente Puerto Rico en Estados Unidos, y es una problema ofensiva a los Nuyoricans que los medios de comunicación muestran su identidad en un luz malo. Debe estar un día de celebración de su arte y cultura, con apoyo de la gente blanco. En mi vida, espero que puedo ir a este evento a ver el arte y mostrar mi apoyo por la gente de Puerto Rico en Estados Unidos. Aquí, tengo algunos fotos del evento que pienso que son tan divertidos y llena de vida.

¡Hola a todos! Voy a hablar sobre una obra de Guillermo Gómez-Peña se llama “DOC/UNDOC (Documentado/Undocumented): Ars Shamánica Performática”. Este obra es tan original y diferente que las obras que vemos en nuestras clases Españoles aquí en la Universidad de Oregon. Es diferente porque no es una pintura, un cuento, o un foto, es el arte performática, con un video y objetos en una caja. Fue un proyecto de siete años y tres artistas. Este obra es brillante y divertido, y la caja es interactivo. Esta obra es un ejemplo por cómo la tecnología puede cambiar nuestras formas de arte y comunicación.
La caja es simple en el exterior, parece como un maletín y es el color gris. Así que antes de que desde el exterior, el cuadro parece totalmente normal y como no tiene nada de especial. Parece profesional, aburrido, y metal. Pero el interior es como un secreto, lleno de vida. Hay ruidos y muchos aspectos brillantes. Hay un cepillo, gafas de sol, una vela, cosas centelleantes, tela de textura interesante y suave, un espejo, y de muchas capas. Estos son sólo algunos de los objetos que escribí mientras observaba, pero había muchos más, demasiadas como para enumerar. tal vez a través de esta caja, somos capaces de verlo como nuestro externo vs nuestro yo interno. Lo que decidimos mostrar al mundo y lo que realmente somos como cuando estamos solos en nuestra habitación, capaz de ser nuestro yo más honesto y verdadero. La caja es interactivo también, entonces podemos apretar botones que causa ruidos y frases diferentes. En el centro, hay una máscara de colores brillantes en rojo y oro. Este caja es una experiencia multisensorial, entonces es tan diferente que las obras que podemos ver en museos. El uso de tecnological en el arte crea una experiencia diferente y más poderoso por la audiencia. Afecta partes diferentes de los ojos, con el uso de ruidos y objetos suaves.
Después de vemos la caja, vemos un video de Guillermo que arte performativa. Empieza con la frase en inglés, “Beauty is in the eye of the beholder”, y es un video de algunos minutos de el con expresiones de la cara cómica. Es difícil a mirar, porque contorsiona su cara en todo tipo de formas extrañas, nunca se sabe lo que va a hacer a continuación. Después de esa sección, hay una parte donde toma un par de tijeras y está tratando de cortarle la oreja. Son un par de tijeras aburridas o son tijeras falsas, por lo que en realidad no se cortan. Sin embargo, la respuesta de la audiencia es profundamente inhalar, las expresiones ansiosas y la tensión en el aire. Todo el mundo estaba en el borde, muy incómodo para estar viendo, pero también incapaz de mirar hacia fuera. Mi maestra dice que es el punto exacto del artista, quiere un reacción de la audiencia.
En general, esta obra de arte era diferente a todo lo que había visto antes, y estaba confundido y intrigado. Disfruté aprendiendo sobre esta pieza y quedé muy impresionado con la Universidad de adquirir una pieza tan única.

Tenemos un museo tan fantástico en nuestro escuela, el “Jordan Schnitzer Museum of Art”, y hay un exhibición de Pablo E. Yglesias. Se llama “The expression of the Latino/a Experience Through Album Cover Art: 1940-90”. Esta exposición es una colección de portadas de álbumes que representan la cultura chicana y latinoamericana. Hay portadas de categorías diferentes, de personas reales en trajes, de comida, de objetos, algunas fotos y algunas dibujado de mano. Cuando caminas en la habitación, inmediatamente eres capaz de sentir la vibra que el artista pretendía. Se oye la música animada, inmediatamente se notan todos los colores brillantes a lo largo de la pared, y se transportan en el tiempo con las piezas.
Es posible a ver los decades diferentes, y cómo la tecnología cambió las habilidades del arte y específicamente los imágenes en las portadas. Podemos ver muchas de las portadas son pinturas o dibujos, a veces de gente y a veces de objectos. Cada uno tiene colores de rojo, amarillo, y anaranjado. Representa un sentimiento de fiesta y divertido. También por lo general tenía muy curvas, Letras divertidas que tenían personalidad. Me encantan los colores brillantes y el actitud de los personajes en los fotografías. Por lo general, todos están sonriendo, pasando un buen rato. Representa la identidad latina, pero específicamente, la identidad latina en los Estados Unidos.
También somos capaces de ver en diferentes periodos de tiempo el énfasis en el sexo, ya que las mujeres a menudo son sexualizadas en las fotos. Este era también un tema común para los clubes para tocar esta música y también ser un escenario sexual. Pienso que las portadas de la colección no muestra esa idea en una forma de falta de respeto, pero podemos ver la sensualidad del cuerpo de la mujer.
La música en el exposición da un flavor al ambiente. Es música de salsa, que es descarado y latido. Me encanta ese aspecto de la exhibición. Después de leer una gran cantidad de secciones informativas de cada pieza, noté que muchos de los artistas eran de Nueva York. Al parecer, este era un centro para los ciudadanos cubanos, y a menudo este estilo de la música era muy popular.
Aquí, tengo un foto de mi favorito portada de la colección. Es mi favorito porque me encanta la lengua de su cuerpo y la atención a detalles en su traje. También, rosado es mi color favorito, representa la feminidad y belleza.

Hola, me llamo Emily Martin y estoy emocionada a compartir mis observaciones, opiniones, y análisis de muchas obras importantes del arte político latinoamericano.