Spanish Blog

La semana pasada investigué y aprendí sobre un artista del que no había oído, Carlos Martiel. Carlos Martiel nació en Cuba y se graduó de la Academia Nacional de Bellas Artes de La Habana. Descubrí que sus obras de arte se han incluido en varios países diferentes, incluyendo a los Estados Unidos, Canadá, Italia, Brasil y muchos más. Algo que distingue a Martiel de otros artistas es que Martiel se enfoca en el arte de performance y se usa a sí mismo para actuar en sus obras de arte.

Lo que aprendí de el arte de performance es que es el arte creado a través de acciones realizadas por artistas u otros participantes. Involucrado en el arte del performance, Martiel incluye el uso del cuerpo, el tiempo y el espacio en su arte. Aparte de esto, Martiel también usa su arte de performance como una forma de discutir, desafiar y señalar temas como las tradiciones culturales, la historia, la realidad de la sociedad y la identidad.

Uno de los lugares a los que me dirigí para obtener información sobre Martial es en el sitio web de Carlos Martiel “carlosmartiel.net”, donde muchas de sus obras de arte se representan con descripciones breves. Las descripciones breves me resultaron muy útiles al ver las imágenes porque me permitieron analizar aún más el rendimiento y comprender mejor a qué problemas se refería el rendimiento.

Hay muchas obras de arte en su sitio web, y yo pase por casi todas las obras de su arte. Una de las interpretaciones artísticas que creo que pude entender más completamente fue la qué se llamaba “Hacerse Olvidar”. En las imágenes de su sitio web vemos su cuerpo acostado sobre una llanta negra. La llanta negra parece ser uno de las llantas que la gente toma cuando vas a flotar al río, lo que para mí significaba que era un dispositivo de flotación e involucraba el agua. Aparte de esto, la posición de su cuerpo está en un ángulo donde parece estar relajado, tan relajado que parece estar cansado o deshidratado.

Como parte de la descripción debajo de las imágenes dice, “How many did not make it? Will we ever know the number of those who perished in that tragedy? Will we know how many Cubans have died in the strait that separates Cuba from the United States in over half a century?” Esto es solo una parte de la descripción, pero dentro de las dos primeras líneas ya estoy pensando en el océano y la inmigración. Para mí está claro que Martiel se está refiriendo a los cubanos que huyeron a los Estados Unidos a través del agua pero no llegaron a la tierra. Esto sigue siendo relevante hoy en día, porque, como sabemos, hay muchos otros países que tienen refugiados que viajan por agua y cruzan los océanos en busca de seguridad. Creo que aunque esta descripción menciona específicamente a Cuba y los Estados Unidos, Martiel también está hablando de otras personas que han cruzado los océanos y no han llegado a su destino.

En general, disfruté aprendiendo sobre Martiel y cómo usa el arte de la actuación para desafiar los ideales de los Estados Unidos. Descubrí que su arte de performance es muy atractiva y, aunque solo vi las imágenes de su performance, todavía siento que se movían emocional y mentalmente.

Esta semana tuve la oportunidad de explorar artistas latinoamericanos, específicamente mujeres. Esto me pareció intrigante porque, como he reflejado en publicaciones anteriores, las artistas femeninas no son tan conocidas como artistas masculinos, y mucho menos las artistas latinoamericanas. Las tres artistas latinoamericanos fueron Frida Kahlo, Ana Mendieta y Yolanda M. López. Sabía que quería investigar más sobre Ana Mendieta o Yolanda M. López, porque nunca había oído hablar de ninguno de ellas. Mi investigación sobre Ana Mendieta se determinó una vez que supe que Mendieta y su hermana menor emigraron de Cuba a los Estados Unidos y fueron refugiadas debido al clima político y la participación de su familia con el gobierno.

 

Me encontré comparando la historia de su infancia con la historia de mi padre. Durante el tiempo que Mendieta estuvo en Cuba, Fidel Castro estuvo en el poder. Debido a esto, Mendieta y su hermana menor fueron uno de los 14,000 niños que huyeron a los Estados Unidos desde Cuba como resultado de la dictadura. Esto es algo que mi padre también hizo. Mi padre es de El Salvador y durante su infancia, la guerra civil en El Salvador estaba teniendo lugar. El abuelo de mi padre era el alcalde de su ciudad natal, y como resultado la milicia persiguió a su abuelo. Después de la muerte de su abuelo, la familia de mi padre temía por la vida de sus hijos, incluido mi padre. Debido a esto, mi padre fue enviado a los Estados Unidos solo a una edad chica al igual que Ana Mendieta y su hermana.

 

El arte de Ana Mendieta llamó mi atención porque sabía que su experiencia de la infancia tuvo algún tipo de influencia en sus obras de arte. Cuando descubrí la serie de siluetas y el significado de las siluetas, me encontré pensando si mi padre había sentido algún tipo de similitud con Mendieta. Uno de los mensajes de las siluetas que creó Mendieta fue la relación con su abandono de su ciudad natal. Mendieta expresó que las siluetas representaban la unidad de su ciudad natal y también su vida en los Estados Unidos. Esto me hizo pensar en mi padre y en cómo la transición de El Salvador a los Estados Unidos debe haber sido difícil. Especialmente porque se fue por su seguridad y había abandonado casi involuntariamente su familia y su vida en El Salvador a una edad tan temprana. Esto sigue siendo algo relevante y continúa sucediendo hoy en día, donde muchos niños se ven obligados a abandonar sus pueblos de origen para emigrar a los Estados Unidos por su seguridad.

En general, encontré que Ana Mendieta fue una artista latinoamericana crucial. Es necesario reconocer que Mendieta era una artista femenina y, sin embargo, todavía usaba su plataforma para expresar sus opiniones contra la violencia contra las mujeres y otros movimientos sociales. Debido a que Mendieta usó su plataforma para desafiar temas “controvertidos” en la sociedad, está comprobado que a Mendieta no le importaba que su fama mundial se pondría en riesgo y sin embargo, continuó produciendo este arte. Creo que esto dice mucho sobre su personaje, lo que demuestra que ella era generosa,“unselfish” y usó su voz para beneficiar a las comunidades marginalizadas.

 

 

Siempre me ha gustado leer y escribir. Pero lo único que siempre recuerdo haberme quejado en la escuela cuando era niña era cuando venía la unidad de poesía. Recuerdo que temía escribir cuando estábamos trabajando en poemas en la escuela primaria. Fue difícil para mí a esa edad escribir un poema para mí. Y creo que esto sigue siendo cierto hoy. La idea de tener que profundizar en mis emociones y pensamientos fue difícil para mí, porque estaba en la escuela y sentía que tenía que ser vulnerable. En un entorno en el que no siempre me sentía cómoda.

Aparte de esto, creo que también fue difícil para mí entender los poemas que nos presentaban. Sentía que las poemas eran demasiado complejas, o que simplemente yo no estaba pensando o interfiriendo en la “forma correcta”. Analizaba un poema y luego, cuando llegaba el momento de compartir en clase, me daba cuenta de que todos mis compañeros lo habían pensado de una manera mucho más diferente. Y creo que esto tuvo que ver con el hecho de que soy una pensadora literal. Menciono esto, porque esta semana aprendí sobre poemas complejos.

Investigue y aprendi sobre el poeta brasileño, Augusto de Campos, a quien se considera el fundador de la poesía concreta. Nunca supe lo que era un poema concreto. Pero lo encontré fascinante. Por lo que entendí para mí, un poema concreto tiene un significado doble o incluso triple. Por un lado, está el significado de lo que está escrito en el poema que le está diciendo al lector un mensaje. Segundo, hay otro significado en las palabras y la lingüística de las palabras que han sido elegidas para colocar en el poema. Y en tercer lugar, lo que para mí parece ser lo más obvio es la forma que toman las palabras. Creo que la forma le da al lector casi como una pista sobre el tema del poema.

Creé un poema concreto lo mejor que pude, en el que hice lo mejor que pude. Aunque las palabras que elegí y la ubicación de las palabras no son tan complejas como las de Augusto de Campos, creo que la forma que hacen mis palabras es significativa y mi poema en su conjunto.

De hecho, puedo verme a mí mismo escribiendo otro poema concreto (aunque creo que nunca amaré los poemas), ya que el hecho de que los poemas crean una forma es como otra avenida de arte. A continuación se muestra una imagen del poema concreto que creé.

Esta semana tuve la oportunidad de explorar diferentes temas y movimientos artísticos. Uno de los que más me llamó la atención es el grupo conocido como C.A.D.A, que significa Colectivo Aciones de Arte. Vi un video de quince minutos, en el que uno de los artistas de este grupo, Lotty, explica el desarrollo del grupo. Me llamó la atención porque, por mi parte, no conozco a muchas artistas femeninas y pensé en cómo hace cuarenta años, cuando el grupo estaba activo, debía haber sido una de las pocas en su país. Cuando ella menciona a Chile y cómo estaban bajo una dictadura cuando se formó el grupo CADA, me recordó una clase de español que tomé al comienzo de este período escolar y también de mi clase de periodismo actual. 

Durante mi semestre de otoño de 2019, tomé una clase de español donde aprendí mucho sobre dictadores en países latinoamericanos. Uno de los dictadores que conocí fue Pinochet, que fue un dictador en Chile. Durante su dictadura, CADA se estaba formando. Fue a través de esto que pude establecer una conexión con la forma en que el arte que produjo CADA y cómo fue también una forma de acción política. Creo que es importante reconocer cómo CADA trabajó para mostrar las injusticias en Chile y creo que tuvo un mayor impacto en Chile como país entero. Supongo que sí, ya que el arte “No +” se reprodujo de varias maneras y todavía se usa hoy en día en Chile.

Esto me deja preguntándome si hay un documental completo sobre la creación de CADA y el impacto que tuvieron. Sé que vi un video de quince minutos, pero creo que queda mucha más información y creo que un documental podría mostrar que tan grande fue el impacto que tuvieron y la magnitud de CADA.

Como mencioné, el movimiento CADA también me hizo pensar en mi clase de periodismo actual en la que estoy. La clase de periodismo se llama “Documenting Human Rights”, donde vemos una serie de documentales de una variedad de países diferentes. Varios de los documentales que hemos visto se centran en mostrar cómo disminuyeron los derechos humanos de los nativos de esos países y el resultado. Durante la semana seis de este período, vimos el documental The Pinochet Case, que toma lugar principalmente en Madrid y sigue a un equipo que trabaja para dar justicia al país de Chile y sus víctimas por lo que Pinochet hizo.

Aquí, aprendí sobre la violencia y la corrupción en lo que vivían los chilenos. El documental relata cómo Pinochet ordenaba la muerte de personas e hizo que los ciudadanos vivieran aterrorizados. Esto me lleva de vuelta a CADA y su arte político que crearon. Una cosa importante a destacar es que CADA estaba produciendo arte y colocándolo en espacios sociales, donde otros podían ver. Esto es importante porque también debemos reconocer que los miembros de CADA estaban arriesgando sus vidas durante esta época de dictadura. Creo que esta es una manera de mostrar qué tan importante era el arte de CADA y también cómo su arte fue político.

Para el blog de esta semana, me gustaría reflexionar sobre el documental Waste Land. Waste Land sigue al artista brasileño, Vik Muñiz, mientras viaja de regreso a su país y crea arte. Más específicamente, el documental toma lugar en el Jardim Gramacho, que parece ser un enorme vertedero. Aquí, las personas clasifican la basura y encuentran material para reciclar, reutilizar y revender como una forma de ganar dinero. Y lo más importante, el documento muestra cómo Muñiz colabora con los trabajadores del vertedero para recrear el arte con ellos mismos y el material que los rodea.

 

Para comenzar, el documental muestra a Muñiz antes de llegar a Brasil y lo muestra hablando de lo que espera de visitar el vertedero. El documento luego corta a Muñiz al llegar al vertedero. Creo que el documental hace un buen trabajo al recrear lo que asumiría que Muñiz y su equipo sintieron al llegar al vertedero. Como espectador, estaba sorprendida por la cantidad de basura y ruido que rodeaba a todos y solo podía imaginar cómo era el olor.

 

Avanzando, el documental comienza a presentar a las personas con las que Muñiz trabajará más tarde y creará arte. Creo que el documental también crea una relación entre el espectador y el trabajador debido a la forma en que el documental es capaz de comunicar su humildad y personalidad a través de la pantalla.

 

Un punto en el que me gustaría centrarme es en la sección de la película cuando Muñiz y su equipo están considerando llevar a las personas a París para la exhibición del arte. Aunque fue una breve sección del documental, me encontré pensando en eso incluso después de que terminó el documento. Porque Muñiz argumenta que llevar a los trabajadores a París les permitiría ver las oportunidades que tienen y también escapar de su realidad por una pequeña cantidad. Es como una oportunidad única en la vida. Pero otros argumentan que sería casi como burlarse de ellos, porque viajar, ver y experimentar lo que harían en ese viaje no es su realidad y es inalcanzable para ellos. Pensé en cómo Muñiz pensó que sería una forma de que ellos vieran las oportunidades y podrían vivir otra vida. Pero no estuve de acuerdo, porque creo que no hay oportunidades donde viven. Sus opciones y trabajo son limitados en lugares tan pequeños y en la pobreza. Y aunque quiera y hagan la lucha, son limitados en sus oportunidades.

 

Pero, sin embargo, creo que a través de este documento Muñiz es capaz de mostrar el poder del arte y la transformación que el arte tomó en todos los individuos involucrados. Por un lado, el arte que Muñiz creó con los materiales del vertedero y la recreación del arte fue una forma de representar las injusticias sociales. Colocando a los trabajadores del vertedero como un foco y también permitiendo que las personas vean que existen. También creo que Muñiz fue capaz de transformar literalmente sus vidas ya que el dinero que se hizo con el arte se utilizó directamente para apoyar a las personas o el sindicato de los trabajadores.

Creo que este documental es otra forma de demostrar que el arte puede ser político e inspirar un cambio social.

 

Esta semana pasada yo aprendí sobre el muralismo mexicano. Específicamente, con el enfoque en los tres grandes, José Clemente Orozco, Diego Rivera y David Alfaro Siqueiros. De los tres muralistas reconocí un nombre, Diego Rivera. A medida que pensaba más y más sobre dónde había escuchado su nombre, mi memoria lentamente comenzó a recordar cuando estaba en la escuela primaria.

 

El español es mi primer idioma, aunque hoy lucho por mantener la fluidez. Cómo preescolar, solo entendía y hablaba español, que fue cuando mis padres decidieron que debía ir a una escuela bilingüe. Estuve en una escuela bilingüe desde kindergarten hasta sexto grado, y seguí en el programa de inmersión en español hasta mi octavo año. Esta escuela bilingüe es lo que me dio un sentido de comunidad. Cada día me iba muy feliz a la escuela. Aquí es donde me introdujeron a un a variedad de culturas. Recuerdo que uno de los programas después de la escuela era el baile folklórico, uno de  los programas en el que participe. Siempre tenía orgullo de presentar los bailes y hasta el día de hoy todavía recuerdo los bailes.

 

Junto con esto, vino aprendiendo sobre la cultura latinoamericana. Recuerdo que me presentaron a artistas en clase, específicamente a Diego Rivera y Frida Kahlo. Aquí es donde aprendí por primera vez sobre Diego Rivera. Recuerdo que mi clase tenía un libro llamado Diego, que estaba en inglés y español. Todavía recuerdo cuál era la portada del libro, era un niño sentado pintando.

De niña, recuerdo haber conocido a Diego Rivera como la persona casada con Frida Kahlo. En mi casa yo tenía un libro para niños que se trataba sobre Frida Kahlo y su vida, y se menciona brevemente a Diego Rivera. Entonces, sabía que Rivera era el esposo de Frida Kahlo, quien también resultó ser un pintor. 

 

Pensando en cómo, cuando era niña, pensaba que Frida Kahlo era esta artista famosa y que Diego Rivera era solo su esposo, que también pintaba, me gusta que pensaba de esta manera. No para desacreditar ninguno de los talentos o éxitos de Rivera, pero creo que es significativo que considerara a Kahlo tan importante o más importante que Rivera. Digo esto porque creo que al crecer gran parte de la historia que aprendimos y los modelos a quién seguir en general siempre fueron hombres. Me alegra pensar que de niña todavía tenía la imagen de que las mujeres eran tan importantes como los hombres. Pero también es triste porque sé que en algún momento después de crecer y estar más inmerso en las normas y construcciones sociales de la sociedad, perdí esa idea.

 

Mientras escribo esto, nunca pensé que esta reflexión sería tan profunda como se ha vuelto. Independientemente de todo esto, aprendí mucho sobre los tres grandes y sus roles en el arte tanto en México como en los Estados Unidos. Y creo que es sorprendente cómo usaron sus murales para mostrar las injusticias sociales.

La semana pasada tuve la oportunidad de aprender y explorar el arte afro-caribeño. Aprendí cómo el arte es una expresión de identidad y también se puede usar para crear o reflexionar sobre la identidad. Una de los documentales que más me llamó la atención fue The Radiant Child, sobre el ascenso de Jean-Michel Basquiat a la fama. La película me permitió comprender mejor el arte de Basquiat, porque se centra principalmente en su vida personal. Después de ver el documental y ver algunas de sus obras de arte en línea, pude detectar unas representaciones de su vida. A lo largo del documental aprendí quién era Basquiat y también reflexioné sobre la producción del documental en sí (creo que se debe al hecho de que mi “major” es periodismo y he aprendido a analizar cualquier forma de medio). 

 

Una de las primeras cosas que aprendí sobre Basquiat fue cómo podía hacer multiple cosas al mismo tiempo. Basquiat podía tener amigos mientras pintaba, algo que parece muy difícil de hacer. Yo no creo que pueda hacerlo con éxito, todo mientras pinto algo que realmente se ve bien. Después de esto, pensé que Basquiat es un genio, por el arte que creó mientras tenía la televisión o la radio encendida, o cuando tenia amigos. Y más adelante en el documental, se muestra una de sus piezas de arte, y parece ser muy compleja y está llena de varios objetos diferentes. Hice la conexión que para mí, parece que siempre estaba pensando en todo en su cabeza, mientras escuchaba la radio o la televisión, y era casi como un “vómito” de todo lo que estaba sucediendo. Por supuesto, en el sentido de que había objetos por todo el canvas y una  mezcla.

 

Algo que me sorprendió también fue la relación que Basquiat tenía con Andy Warhol. Personalmente, nunca había oído hablar de Basquiat, pero sí había oído hablar de Andy Warhol. Creo que su relación se volvió crucial en las dos carreras, porque creo que ambos se ayudaron mutuamente a ganar reconocimiento. Sin embargo, me pareció interesante que cuando Basquiat y Warhol colaboraron, no recibieron comentarios positivos.

Por último, me encontré pensando en la producción del documental y cómo eso agregó más a la historia. En primer lugar, creo que la entrevista informal con Basquiat para comenzar el documental fue una buena idea porque lo presentó a los espectadores sin toda la fama o la información sobre quién era y qué tan exitoso se volvió. De esta manera, el espectador puede ver cómo Basquiat comenzó su carrera y parece ser una persona humilde. Creo que esto fue algo intencional.

 

También descubrí que era útil tener las entrevistas con personas que lo conocieron durante todo el documental. Creo que sirvieron como narradores a lo largo del documental. Pero, creo que su inclusión también sirve como una forma indirecta de hablar con los espectadores, que lentamente comienza a formar/influir en sus pensamientos sobre Basquiat.

 

En general, este documental me pareció intrigante y útil para interpretar las obras de arte de Basquiat. También aprecié la estructura del documental, que creo que contribuyó a la historia de su vida.

La semana pasada tuve la oportunidad de explorer y reflexionar sobre el arte…

 

El arte es algo en lo que nunca he tenido mucha confianza ni he explorado mucho. Lo primero que me viene a la mente cuando pienso en el arte es la primera clase de arte en la escuela secundaria que tomé. Y probablemente fue la clase en donde recibí la “pero” calificación. Desde entonces, el arte nunca ha sido un gran interés en mi vida.

 

Pero, la semana pasada vi múltiples formas diferentes de arte, y mi definición de arte creció. Para empezar, yo nunca pensé en las variedades y géneros de arte. Cuando yo pensaba en el arte, yo simplemente pensaba en el arte visual, que se encuentra en los museos, específicamente el arte mas famoso como el de Vincent van Gogh, Pablo Picasso, Leonardo da Vinci, etc. Pero la lectura “Themes in Chicano Art” me introdujo a otro tipo de arte. Este tipo de arte viene siendo el “Chicano art movement.” Este tipo de arte se enfoca en la representación histórica, cultural y política de los Chicanos y su movimiento de derechos civiles. Un gran enfoca de el arte Chicano es la representación y identidad. El movimiento Chicano es algo que es relativamente nuevo y continúa desarrollándose y creciendo. Por esa razón es que el movimiento Chicano se enfoca en la representación de los Chicanos, porque ellos mismos todavía se están desarrollando y tratando de formar una comunidad. El arte Chicano se enfoca en representando a su comunidad con precisión y sin estereotipos y falsas representaciones.

 

Este movimiento me hizo pensar en Olmeca, un artista que conocí y entreviste el año pasado. Olmeca fue criado en Los Ángeles, California y en México, y es bilingüe. Su forma de arte es visual y también audible, porque se identifica como un artista de Hip-Hop y productor. Su música es una forma en donde él crea una comunidad de sus experiencias y identidad Chicano. Olmeca produce videos de su música, donde muestra su cultura y ambiente. Creo que. Olmeca es una representación buena de arte Chicano, porque muestra la mezcla de las dos culturas que tiene en su música y videos. Y también, aparte de enseñar la mezcla visualmente, Olmeca también mezcla los dos lenguajes de su identidad. El rapea tanto en inglés como en español, y la mezcla de estos dos lenguajes son una forma de crear su misma representación y identidad.

Después de leer “Themes in Chicano Art” y hacer la conexión entre Olmeca y su forma de arte, y la idea de el arte Chicano, creo que mi idea de arte ha crecido. Nunca pensé realmente en la música como una forma de arte, ni como una forma de movimiento político. Pero ahora puedo ver cómo el arte Chicano puede tener un gran impacto en la sociedad. El arte es una forma de expresión, e igual como hay políticos que usan su voz y posición para expresar sus opiniones y problemas de la sociedad, creo que el arte es similar en ese sentido.