El análisis del arte + la política

El arte de Carlos Martiel es innovador, chocante, y necesario. Su performance is profundo e intencional, es clarísimo que él tiene la determinación y habilidad de hacer las personas pensar + contemplar sus espectáculos. Yo nunca he sabido mucho del performance o visto mucho de el, pero definitivamente puedo ver porque es necesario en el mundo de arte. Martiel, en especifico, le da vida a ideas, temas, y asuntos en maneras que pueden hacer que los espectadores se sientan incomodos físicamente y figurativamente, que yo creo que es algo muy especial.

La relación que Martiel ha creado con su cuerpo para poder ser el sujeto y objeto de su arte es una que yo creo merece mucha atención. La reclamación de su propio cuerpo como un afro-cubano es muy poderosa, especialmente en nuestro mundo que siempre se ha aprovechado del cuerpo negro. Escuchando como Martiel vino a entender el poder que su cuerpo podia tener en sus obras fue muy impresionante, es increíble como él pudo reconocer la potencial de su forma de expresión. Una obra que refuerza esto para mí es “Segregación” (2015) en donde su cuerpo estuvo entre alambre y la manera en que sus espectadores la podían ver fue segregada, literalmente.

Otra obra que me sobresalió fue “South Body” (2019) que yo creo que es una representación muy profunda de lo que es ser afro-latino/afro-americano en los Estados Unidos.

Para mí, esta imagen muestra la idea que este país fue construido en y por los cuerpos negros, marcados por los colonizadores y opresores. Esta foto también es muy relevante a lo que estamos viendo en las noticias actualmente, en donde los sistemas de los Estados Unidos están activamente matando y fallando a la gente negra. Yo creo que esta foto es muy relevante para la lucha de #BlackLivesMatter. Luego, esta obra “Intruso (América)” también me hizo pensar en el movimiento, y la architecture hostil que discutimos hace unas semanas.

El elemento de dolor y las heridas existen en varias formas en el performance de Martiel, mandando mensajes a los espectadores de lo que es sufrir, y en los casos de las obras “South body” y “Intruso,” lo que es sufrir viviendo como una persona negra en los EEUU.

Yo siempre he creído que no se puede aprender si al principio no te sientes incomodo/a, en cualquier capacidad que aparezca este sentimiento. No se puede crecer en una zona cómoda toda la vida, y el arte de Martiel es un gran recordatorio de esto para mí. Aunque he tenido que mirar para otro lado cuando estaba mirando fotos de sangre, de la piel siendo pinchada, etc, aprecie que el arte de Martiel ilícito fuertes emociones y reacciones. Yo creo que este elemento específicamente se va a quedar conmigo porque me enseñó el poder de continuar a afrontar lo que me hace incomodo para buscar un nuevo mensaje o manera de pensar (en relación al arte).

En fin, estoy muy emocionada para ver que tipo de arte Martiel va a crear en el futuro, especialmente con todo lo que esta pasando en el mundo actualmente.

Esta semana yo elegí estudiar el arte de Frida Kahlo para nuestras investigaciones de “Feminist Body Art.” Siempre me ha fascinado el arte y la vida de Frida, también siento mucho orgullo cuando pienso en ella como una artista mexicana porque yo soy mexicana también. En una clase anterior del español tuve la oportunidad de mirar la película sobre la vida de Frida y aprendí bastante sobre su vida, sus experiencias, y de cómo unas de sus obras fueron creadas. La historia de Kahlo es compleja y su arte es increíble, entonces tome esta oportunidad esta semana para desarrollar las ideas de ella y su arte un poco más.

Para nuestra tarea yo me enfoque en dos obras por la mayoría de mi discusión: “Allá cuelga mi vestido” (1933) y “Autorretrato en la frontera entre México y los Estados Unidos” (1932). Estas obras son muy impresionantes, específicamente en la manera que sirven como símbolos de la feminidad en el capitalismo/la industrialización. Frida hace varias criticas de estas tendencias sociales, especialmente como ella misma se sentía viviendo entre dos mundos (EEUU & MX). Estudiando estas obras fue muy impactante porque ilustraban experiencias y sentimientos simultáneamente personales y colectivos, sirviendo como buen ejemplos de como la vida era durante esos tiempos para las mujeres latinxs que en unas capacidades su podían relacionarse. Los elementos mexicanos y americanos que ella escogió a ilustrar me hicieron pensar mucho en cómo yo podría intentar a recrear una composición de lo que yo experimento como una latina estadounidense. Obviamente nuestras experiencias van a ser diferentes, pero algunas veces yo también me halló viviendo en la frontera entre México y los Estados Unidos. La obra de Frida entre la frontera (abajo) me hizo pensar en la frase “ni de aquí ni de allá,” que yo creo puede ser representada por esta imagen.

Mi investigación del arte de Frida también me hizo reflexionar mucho sobre la imagen de la mujer en la sociedad, especialmente en las maneras que se puede desafiar sutilmente y explícitamente. En varios casos yo creo que Frida es un gran ejemplo de como se pueden desafiar explícitamente, su forma de vestir, sus estilos de cabello, sus cejas, las colocaciones de sus manos/postura, y su joyería sirven como emblemas de vivir en el mundo como una mujer independiente y fuerte, y también desafían los estándares de belleza de su tiempo. Para mí esto es muy importante, porque Frida nunca cambio un aspecto de su apariencia para aplacar a las personas, sino ella mantuvo su propia forma de existir en el mundo, a pesar de que estuvo discapacitada. Con este hecho, la imagen de Frida se me hace hasta más poderosa y bella.

En fin, me siento muy feliz que tuve la oportunidad de estudiar al arte de Frida con más intención esta semana porque realmente aprendí mucho más de cómo el arte es puede conectar a la política. Frida no fue víctima de la censura, varias de sus obras hacen declaraciones porque no eran refinadas, ilustrando la realidad de una emoción, una experiencia, o una ideología. Su arte es muy poderoso en este sentido y espero que todavía siga mi investigación de sus obras a lo largo de tiempo!

Me encantó lo que estudiamos esta semana con el concepto del neoconcretismo. Las obras de los artistas eran muy poderosas aunque aparecían simples, haciendo que la interpretación del significado sea algo que es el producto de la interacción entre la obra y los espectadores. Yo creo que esta es una idea que yo típicamente asocio con el arte, la idea de interpretación abierta, pero creo que este concepto específicamente me sobresale porque el arte es creado con la intención de invitar participación de los espectadores. Por ejemplo, la obra de Lygia Pape “Livre du Tempo” tiene 365 objetos que cada espectador le puede asignar significado con la influencia de sus experiencias y asociaciones con las formas/colores, haciendo que la obra sea mucho más personal para cada persona. Esta obra en particular reforzó la idea de Gullar que “it is only when someone see the work of art, that its rhythms and colors have meaning,” con el uso de varias formas y colores en una obra enorme como esta.

La obra “Bicho” de Lygia Clark también me impresionó mucho esta semana, es muy interesante que no hay una cierta o correcta manera de mirar a la obra, como la de Lygia Pape. La manipulación de esta obra es específicamente llamativa porque realmente ilustra como el arte puede vivir en los ojos (y las manos) del espectador. Una obra como “Bicho” intemporal, cambiando a lo largo del tiempo y en cada perspectiva de los espectadores.

Cuando estaba aprendiendo de las características del neoconcretismo, pensé en el poder de la vaguedad, especialmente en como puede transformar como una obra existe en el mundo. También esta haciendo muchas conexiones a las características de la poesía que también sirven el propósito de expandir las maneras en que los poemas pueden ser interpretados. Como el arte, la poesía puede ser simple y simultáneamente muy compleja, dandole poder a los lectores a tomar sus propias interpretaciones del significado o mensaje de un poema. Personalmente me encanta la poesía por exactamente esta razón. Como el arte neoconcretisto, yo creo que la poesía puede existir a lo largo de tiempo con el mismo poder porque su significado puede cambiar de tiempo a tiempo y depende la interpretación de cada persona. La poesía neoconcretista, entonces, es una combinación de dos ideas que yo tenia del arte y la poesía que yo no sabia podían existir juntas. Luego, creando mi propio poema en este estilo fue un proceso muy interesante porque cada rato estaba cuestionando si tenia que seguir una cierta regla, aunque sabia que las reglas van en contra del propósito de este estilo especifico.

Este es el poema que yo produje. Las palabras no son mias, pero es un dicho que siempre me han encantado porque es vago, pero al mismo tiempo muy poderoso en que se puede aplicar a cualquier situación o experiencia en la vida. Siempre me ha encantado leer la poesía, pero es muy raro que yo lo escriba.Entonces, creando este poema fue una experiencia linda para mi porque me enseñó el lado de poesía que no experimento con frecuencia.

“Lo que sera,

sera.”

Esta semana yo elegí investigar el tema de la fotografía y la censura durante una dictadura. En nuestra clase la semana pasada nuestra profesora nos enseñó unas fotos de Gustavo Germano en donde él capturó a las ausencias que resultaron de dictaduras y me fascinaron. El concepto de cautivar a alguien que murió o fue desaparecido me interesó mucho porque realmente no había considerado como una persona podia ser representada en una foto sin estar allí físicamente. Las fotos de Germano rápidamente me enseñaron que una persona, viva o no, puede seguir viviendo a lo largo del tiempo en una foto. Esto fue reforzado en las maneras que las fotos de sus colecciones mostraban espacios básicos en donde una persona hubiera estado si todavía seguían viviendo, haciendo que la foto sea chocante y provocadora de los pensamientos. Sus fotos eran bellas, se podia notar que el tiempo había pasado y que la gente en las fotos eran persistentes a lo largo del tiempo de tristeza y tragedia que les trajo la dictadura.

El documental “La ciudad de los fotógrafos” también fue muy impactante para mí porque me hizo contemplar como la fotografía tiene su propio lenguaje artístico. Me hizo reflexionar mucho en las intenciones, las experiencias, y la creatividad que tienen los fotógrafos que mucha gente, incluyendo yo misma, puede pasar por alto. Yo creo que mucha gente se considera un fotógrafo porque les gusta tomar fotos casualmente, pero en realidad, el papel de un fotógrafo en el mundo es mucho más complejo que solamente capturar un momento, una escena, personas, animales, etc. Claro que estas cosas pueden ser importantes y tener significado, pero un fotógrafo/una fotografía tiene el poder y habilidad de transformar una foto a algo mucho más grande. En el caso de los fotógrafos que capturaron los momentos y la brutalidad de las dictaduras en sus países respectivos, ellos capturaron momentos en la historia que hubieran sido borrados y/o escondidos por los dictadores para preservar los aspectos grotescos de su tiempo en poder. Esto me hizo pensar en cómo puedo cambiar y profundizar mis ideas del papel que los fotógrafos pueden tener en el desarrollo de la humanidad y civilización, hasta hoy día, en donde las fotos forman parte de la vida diaria de la mayoría de gente.

El tema de la censura también me sobresalió esta semana, especialmente en la manera que existe para asegurar que las experiencias y historias de personas son excluidas y/o borradas. En mi clase de literatura multicultural para los niños también estamos discutiendo las maneras en que la censura esta controlado el valor de las experiencias que existen (o no) en el salon, marcando que identidades, historias, y perspectivas merecen ser vistas y reconocidas por los niños. La censura en la dictadura es obviamente más intensa y alarmante, pero la censura en los salones de los niños también es peligrosa en la manera que controla cuales historias pueden ser compartidas actualmente y en el futuro.

Yo aprendí mucho esta semana sobre el poder y lenguaje del arte durante tiempos en donde la gente no tiene voz, espero que pueda seguir buscando las maneras en que esto pasa en mi vida diaria.

Esta semana estuvo llena de ideas que me hicieron cuestionar varias de mis nociones preconcebidas en relación al arte. Por ejemplo, yo no he pensando mucho en el poder que las estructuras/la arquitectura tienen. La idea de arquitectura hostil no era una que conocía por nombre, pero sí la he visto en varias ocasiones, sin intender las intenciones tras su creación. Además, la utilización de la basura en las obras de arte también fue una idea que no conocía muy bien, probablemente porque la basura típicamente no es asociada con el arte en el primer lugar. Pero, después de mirar las maneras en que artistas como Vik Muñiz y Antonio Berni transformaron como uno puede ver a la basura, me quede muy impresionada.

Las obras de Berni me impactaron mucho esta semana. La serie de Juanito Laguna me sobresalió, específicamente en el efecto que la basura tuvo en la obra literalmente y figurativamente. En esta obra llamada “Retrato de Juanito Laguna”, yo empezar a contemplar cómo el ambiente de una persona realmente puede consumir a una persona.

Esta obra me impresionó mucho porque yo sentí y pude mirar el efecto de la industrialización en las personas cotidianas y aisladas, sufriendo un cambio en su manera de vivir monumental. También noté estos mismos sentimientos cuando miré esta obra de Berni llamada “Juanito ciruja,” en donde se puede ver que el mundo de Juanito lo ha transformado a un cirujo en su propio ambiente que fue adelantado por la industrialización. Juanito tiene que vivir en las sobras de producción, haciendo que el valor de su vida sea disminuida.

El documental Waste Land también me hizo reflexionar sobre la influencia que una persona con poder en el mundo de arte puede transformar ideas completamente. Vik Muñiz creó una serie de obras hechas de basura, recreando a otras obras famosas, y al mismo tiempo creo nuevos sentimientos en relación a los dos. La basura no aparecía a basura que es inútil o discordante primer vistazo, sino que la basura fue un elemento crucial al ambiente de la colección de obras. Luego, en recrear obras famosas con los catadores, él ayudó a enseñarles que la concepción y interpretación del arte vive en cada persona, reforzando el papel de la individualidad en el mundo de arte. Este fue un momento importante para mí, porque me recordó que el arte puede tener definición diferente para cada persona, sin importar si tienen significados completamente diferentes. Al fin y al cabo, el arte es arte. El arte debería tener definiciones y lindes borrosos.

Esta semana me hizo pensar en mi propia definición del arte y cómo la puedo expandir para incluir ideas que no conozco, pero sin embargo las reconozco como validas y necesarias. Nuestra clase me esta abriendo los ojos a todas oportunidades que tengo para buscar el arte en cualquier lugar que mire. En tiempos como estos en donde nuestros ambientes son relativamente estancados, este ejercicio de identificar arte por todos los lados me ha ayudado a apreciar mis alrededores un poco más.

El contenido de nuestra clase esta semana fue muy impactante para mí, me hizo reforzar las conexiones que he establecido entre el arte y la política. Aprendiendo sobre las maneras en que los Tres Grandes de los muralistas mexicanos (Diego Rivera, José Clemente Orozco, y David Alfaro Siqueiros) cambiaron las perspectivas de artistas americanos en los Estados Unidos fue muy impactante. Los muralistas vinieron a los Estados Unidos con los ideales que habían formado en el periodo después de la revolución mexicana, sabiendo cómo ilustrar una narrativa nacional en sus murales. Los muralistas no escondían los sentimientos de la gente cotidiana, no conformaban sus trabajos a los ideales estadounidenses, ellos ilustraban lo que ellos creían representaba a la gente y sus experiencias. En uno de los videos en el sitio web de la exposición “Vida Americana,” Jacob Lawrence, un artista afro-americano, hablo sobre la habilidad de Diego Rivera de entender el poder de la representación en el público, moviéndolo a pensar en las maneras que Lawrence podia incorporar esta idea en sus propias obras. En esta manera, yo puedo ver las maneras en que Rivera creía que todo el arte debería ser propaganda, diciendo que cada obra de arte sea una proclamación del artista.

Luego, cuando leí las palabras de Orozco, me movió mucho la idea que los murales no pueden ser escondidos para el beneficio de un grupo selecto, sino que son “for the people. [They] are for ALL.” Ya que he prestado más atención a los murales que veo alrededor mi ciudad, entendiendo esa noción profundamente. Aunque los murales que he visto no son gigantes o necesariamente estimulantes, forman parte de mi comunidad y siempre están allí para que toda la gente los vea. Esta libertad y actitud receptiva que viven en los murales son los aspectos que me fascinan, realmente viven con la gente cada día.

El manifesto de David Alfaro Siqueiros fue muy impresionante también, especialmente en la manera que proclamaba que “el arte del pueblo de México es la manifestación espiritual más grande y más sana del mundo y su tradición indígena es la mejor de todas.” Esta proclamación de la belleza y poder del arte indígena me impactó mucho porque yo sé que no solamente existe la afirmación en el mundo del arte, sino también políticamente y socialmente. Este sentimiento vive claramente en las obras de los muralistas, especialmente cuando estaban tratando de crear su historia nacional entre sus obras.

En fin, esta semana yo empece a fortalecer las ideas que he empezado a realizar en nuestra clase, específicamente cómo la política puede ser inextricable del arte. Ya estoy empezando a estudiar el arte más críticamente, tratando de buscar las maneras en que los artistas podrían estar haciendo proclamaciones en sus obras, aunque sean sobresalientes o no. Entiendo que cada obra es creada con intenciones especificas y yo quiero tratar de honrar esto cada vez que estudio el arte. Siento que ya estoy formando ideas más claras de los significados que pueden existir en las obras que veo.

Estas son las obras que me impresionaron esta semana.

El tópico de la representación africana/negra/afro-carribeño en el arte durante esta semana me ha hecho pensar en cómo la influencia europea ha definido lo que es clasificado como arte. El documental “Statues Also Die” realmente me enseñó como lo colonizadores robaron y borraron las experiencias, los sentimientos, los rituales, y la historia que existían en el arte africano cuando se lo llevaron como un símbolo de lo “exótico” que habían “descubierto.” Esto no es un fenómeno nuevo, claro, pero todavía es chocante cada vez que somos recordados del pasado de nuestros ancestros.

En relación a nuestra clase que nos enseña que el arte y la política pueden ser inextricables, el arte de Wilfredo Lam y Jean-Michel Basquiat sirvió para mostrar como puede aparecer la reclamación y proclamación de una identidad que históricamente no tenía poder socialmente. En las obras de cada artista se puede ver la influencia de su identidad como un afro-caribeño, desde los símbolos de Basquiat a las representaciones del sufrimiento y complejidad de la vida cotidiana de los afro-caribeños.  Los dos tuvieron mucha influencia en el mundo de arte, Lam fue visto como el Picasso Cubano (esta idea es problemática, pero al mismo tiempo sirve para mostrar el nivel de poder que su arte tuvo) y Basquiat fue muy seguido por la gente que conocía su trabajo bien. Basquiat era muy joven y muy revolucionario. Unas de las frases que se me pegó del documental “The Radiant Child” sobre la vida de Basquiat fue que él pudo “transmitir la energía de la calle al ‘high art.'” Para mí esto es algo muy impactante porque típicamente cuando yo pienso en el ‘high art’ yo no pienso en la presencia de lo que pasa en la vida cotidiana. Lam también hizo esto en una manera, especialmente en “The Jungle” que es una obra bella pero muy compleja y tiene muchas implicaciones en sus detalles. Yo pienso que es muy importante que artistas puedan incorporar sus voces y creencias en sus obras y me encanta las maneras en que estas artistas lo hicieron.

Otra cosa que me impactó esta semana fue la discusión sobre la Negritud y la Creolidad. Yo había escuchado de los dos, pero no tenia muchas ideas desarrolladas sobre ellos. Yo creo que estas ideas son muy importantes en las maneras que intentan a representar las experiencias de dos grupos de gente de herencia africana porque obviamente no hay una experiencia universal para un grupo. Estas ideas me movieron a pensar en cómo el arte puede ser visto como universal, y aunque una obra tenga un mensaje intencional para la audiencia, todavía se puede ser interpretado diferentemente por cada espectador. Cuando pienso en las obras de Lam y Basquiat, me puedo imaginar varias interpretaciones, y yo creo que esto ilustra la belleza y el poder del arte. La representación que ellos tienen en sus obras sirve para unir a la gente. Los símbolos de Basquiat, por ejemplo, pueden ser interpretados en varias maneras, haciendo que sus obras sean universales para la gente que lo busca.

Yo realmente no he tenido la oportunidad de estudiar el arte históricamente/formalmente aunque siempre ha sido algo que me fascina. Cuando yo era niña, yo siempre pintaba y dibujaba para mi entretenimiento, pero no necesariamente pensaba que estaba creando arte. Ahora ya que puedo contemplar mis experiencias con el arte, veo que yo lo estaba creando para expresarme y mis gustos, que es algo que me da alegría. Me da gusto que durante un tiempo en mi vida yo creaba arte porque me daba felicidad, sin pensar en cosas técnicas para dirigir cómo iban a aparecer mis creaciones. Reflexionando en esos momentos, también he estado pensando en las razones que decidí abandonar el arte. De hecho, me puedo acordar en el momento exacto que decidí que ya no me gustaba el arte. Este momento ocurrió en el día final de mi curso de arte en la high school. Yo estuve en este curso por un año entero, y durante este año, yo sentía que estaba perdiendo mi conexión y admiración del arte. Me había enfocado en los aspectos técnicos por tanto tiempo que ya no me importaba se me divertía cuando creaba mis obras. Todo lo que me importaba era si mi trabajo era merecedor de una A o no.

Después de estudiar el arte críticamente esta semana, miré que aunque los aspectos técnicos son importantes, no tienen el poder de completamente dirigir la vida y intención de una obra. El arte es definido por el artista, no por las reglas. El arte es un acto de expresión, de resistencia, de amor, y de proclamación, sin importar si una linea es perfecta o no. El arte ha persistido desde el inicio de tiempo, es algo que expresa la condición humana. El arte une a la gente, a una identidad, a una cultura, a los pensamientos colectivos, y a mucho más. Este recordatorio me ha hecho pensar que el arte puede ser una herramienta en cualquier manera que el artista desea, y me movió estudiar las obras de nuestra primera semana de clase. Siempre me ha encantado la idea de usar el arte para expresar una idea sobre la política/la social, siento que sirve para simultáneamente aliviar el alma de la artista y del espectador. En provocar emociones/pensamientos a lo social/la política, el arte es una fuerza util y necesaria para el bien estar de la sociedad.

Esta primera semana de estudio del arte fue muy impactante para mí porque me abrió los ojos a como yo puedo entender mi latinidad con más profundidad. Yo no he tenido la oportunidad de hacer esto afuera de la literatura en mis clases, y aunque me encanta la literatura latinx, estoy muy emocionada para poder desarrollar mi identidad con mi estudio de arte. Los artistas que hemos estudiado me han ilustrado que cada persona tiene una experiencia/entendimiento de su identidad, pero al mismo tiempo también todos estamos conectados en maneras más grandes que nosotros mismos. Creo que esto es una idea que vamos a destacar más durante el resto del termino y estoy lista para seguir desarrollándola.

Welcome to your brand new blog at University of Oregon Sites.\n \n To get started, simply log in, edit or delete this post and check out all the other options available to you.\n \n For assistance, visit UO Blogs General Help or contact the Technology Service Desk (541-346-4357).\n \n