Author: Yessenia Villalobos

Guao, que semana. Debido al contexto de Black Lives Matter y como el arte puede ser utilizado para expresar mensajes políticos, esta semana nos enfocamos en Carlos Martiel.

Carlos Martiel es un artista afrocubano, utiliza performance art para expresar solidaridad transfronteriza y la realidad de personas negras. Cuando estaba viendo sus obras en su sitio de web, notaba que había una temporalidad de dolor en sus performances. Donde a veces el perfora su propio cuerpo y quizás ese dolor solamente dura por el tiempo del performance. Pero esto se contrasta a la temporalidad que Carlos Martiel intenta de interpelar con su arte, donde la duración del dolor y daño hacia la comunidad negra es casi eterna, no tiene fin. Mientras tanto, el dolor que siente Martiel es temporalmente. Un ejemplo donde se demuestra un dolor temporal es en la obra de Continent, 2017. Aquí ha insertado nueve diamantes en diferentes áreas de su cuerpo, y un individuo blanco esta sacando los diamantes. Es evidente que no es nada agradable tener diamantes insertados y después sacarlos. La interpretación que hago yo de esta imagen es que, demuestra que el cuerpo negro ha hecho el esfuerzo y trabajo para minar diamantes y los que disfrutan de ese labor son las personas eurocéntricas. Martiel se puede levantar después de su performance y continuar haciendo arte, pero para otras personas negras, su realidad es más devastadora y cruel, donde están realizando servidumbre por contrato hoy en día.

Nos toco aprender más de Carlos Martiel y su arte esta semana cuando estuvo como orador invitado durante nuestra clase en Zoom. Una pregunta que fue hecha durante la conversación con Martiel fue a lo largo de las palabras de “¿…tu arte cambiara o no cambiara por el contexto del Black Lives Matter?”. Martiel comento que su arte y los conceptos que incluye en su performance art no cambiara, quizás evolucionarían para incluir otros conceptos, pero las ideas que expresa en su arte permanecerán igual porque es lo que refleja sus experiencias como alguien con un cuerpo negro.  Quiero añadir, que esto implica que las vidas negras todo el tiempo han importado, y desde el principio del colonialismo han sufrido, pero hasta hoy, donde la gente ha decidido dejar de hacer la vista gorda ante las injusticias sociales hacia las personas negras. Su arte no cambia porque hay protestas exigiendo la igualdad de personas negras, en su arte Martiel siempre ha abogado por personas negras y por otras personas oprimidas como comunidades indígenas. Él no tiene que cambiar su arte o conceptos porque siempre ha revelado las injusticias reales que viven personas negras, su trabajo lo continuara haciendo. Es su plataforma política y me encanta como lo hace.

Se enfoca en hacer el publico sentirse incomodo, que revela que el espectador esta complaciente en estas injusticias y aunque se sientan incomodos en el momento del performance, aun no hacen nada para combatir las injusticias. Carlos Martiel es solo uno de los pocos que expone injusticias sociales, pero puede ser el perfecto iniciador de conversación entre las familias latinx no negras que ignoran que existen latinx negrx en nuestra comunidad que necesitan de nuestra apoyo siempre.

**Hay imágenes un poco explicitas, continúe con precaución**

Durante el régimen de Fidel Castro en Cuba, se estableció la operación Peter Pan donde muchos menores pudieron venir a los Estados Unidos para escapar la persecución del gobierno de Castro. Ana Mendieta era unos de los jóvenes que llego a los Estados Unidos gracias a la operación Peter Pan. Al ser desplazada de Cuba, ella utilizo su arte para explorar su identidad cubana.

A pesar de explorar su identidad cubana, Ana Mendieta también utilizo el arte para explorar la identidad femenina. Un elemento común en su arte es su propio cuerpo desnudo. Creo que una razón por cual usa su cuerpo en su arte es porque quiere que haiga más representación de cuerpos morenos en el arte convencional. Al igual, usa el cuerpo femenino para demostrar la agencia que ella tiene sobre su cuerpo. Pero creo que esto alude a que típicamente mujeres no tienen agencia de sus cuerpos porque el cuerpo femenino es tratado como un objeto y sexualizado. Me encanto que cuando ella demostraba su cuerpo en su arte no era en una manera sexual, era una manera para apreciar su cuerpo y como se conecta su cuerpo con la naturaleza. Creo que su arte implica que alguien que se identifica como femenina, no tiene que representar lo femenino todo el tiempo, donde existe una fluidez.

Es interesante que ella estaba estableciendo esta relación entre el cuerpo y la naturaleza porque no era la primera, pero su manera de hacerlo era radical. Radical porque utilizaba materiales como la sangre, pluma de pollos, y lodo. Esto no era convencional y creo que eso era el objetivo de Ana Mendieta. Ella quería diferenciarse de los artistas anglos en los Estados Unidos. Al igual, uso estos materiales para revelar lo que verdaderamente es la santería y de desafiar los estereotipos que existen en los Estados Unidos sobre comunidades latinoamericanas.

Algo que no investigue mucho pero que me intrigo, fue que Ana Mendieta explora la muerte y el concepto de temporalidad en su arte. Es decir que ella esta consciente de que los seres solo existen temporalmente y algún día mueren. Yo soy de las personas que no teme hablar de la muerte y que tampoco niego o ignoro esa realidad. Me encanta explorar este tema y antes de estudiar sobre Ana Mendieta no sabía que había maneras de expresar la temporalidad en el arte. Entiendo que para muchos la muerte es un tema tabú, entonces quizás el arte de Mendieta no es para todos. Pero así es el arte, no todos serán fans de lo mismo y es por eso por lo que existen varias maneras de expresar lo que uno piensa y opina. ¿A ti te gusta conversar sobre la muerte o te hace sentir incomodx este tema?

Quizás llega esta realización un poco tarde, pero en la semana siete estoy observando que todo arte tiene propósito.

Esta semana el enfoque era en el arte neoconcretismo, donde este arte incluye la perspectiva del espectador en todos los componentes del arte porque este arte es sensorial. Donde se presta atención a los sentidos de una persona. Al igual, cada objecto en el arte neoconreto puede ser analizado solo, pero los objectos en conjunto crean el mensaje/propósito que quiere el artista. Yo decidi enfocarme en el arte de Hélio Oiticica porque me llamo la atención su serie de Tropicalia.

La exposición de Tropicalia tenia arena por el suelo donde los espectadores eran casi obligados de participar porque tenían que quitar sus zapatos para caminar en la exposición. Esto es ejemplo del sentido de tacto porque los espectadores sentían la arena debajo de sus pies. Para añadir esta serie tenia penetrables donde los espectadores no sabían lo que esperaban ver adentro, pero no solo veían sino también podían tocar las cosas que colgaban del penetrable.

Me encanto la serie de Tropicalia porque era inmersiva y era algo que en ese tiempo no existía. ¿Quién seria capaz de tirar arena por todo un museo?! Solamente Helio Oiticica porque era su manera de demostrar su personalidad radical. Pero también es la manera en cual Oiticica expresa libertad en su arte, porque era difícil en Brasil durante la dictadura expresar arte sin temor por miedo de ser perseguidos. Era como un “f… you”, yo voy a hacer lo que yo quiera con mi arte y voy a demostrar mi creatividad sin ser limitado por la burguesía y dictadura. Tengo que admirar el trabajo de Oiticica porque era revolucionario su trabajo, donde demuestra que el arte le pertenece al publico. Donde no solamente el publico puede ver el arte, sino también participar en el arte e incluir sus perspectivas en el arte.

Esta semana también me toco aprender sobre la poesía de Augusto de Campos y tenia que hacer mi propio poema al estilo de Campos. Para este proyecto me hubiera gustado tener más habilidades en Photoshop or mas conocimiento de editar para crear algo mas creativo. Pero estoy satisfecha con el poema que si puede crear. Antes de este curso, no era fanática del arte y yo no me creía una persona creativa. Sin embargo, estoy aprendiendo que el arte puede incluir lo que yo quiera y habrá una o otra persona que le gusta el producto y mensaje que estoy creando. Asi que aquí les dejo mi poema “Niño Muriendo”.

 

Para semana seis, elije aprender sobre el grupo colectivo de artistas que crearon el proyecto Tucumán Arde.

El objetivo del proyecto era establece una exhibición de contra información y de movilizar a los individuos sufriendo las consecuencias del cierre de la plantación de azúcar en Tucumán. Lo que había ocurrido era que la dictadura militar en Argentina durante los años 60s había cerrado la fabrica y no proveo nada a los habitantes de Tucumán para suplementar su falta de trabajo, dinero, y alimentación. La dictadura sabia exactamente lo que estaba pasando en Tucumán, pero ocultaban la verdad cuando censuraban todo que no beneficiara a la dictadura.

Entonces los artistas querían revelar la verdad y el sufrimiento de los habitantes de Tucumán. Su proyecto se desarrollo en etapas. En la primera etapa investigaron la verdad y fueron a tomar evidencia de la injusticia social. Las siguientes etapas se enfocaban en confrontar y revelar lo que habían descubierto durante sus investigaciones. Intentaron de exponer la información en espacios públicos, no en museos y galerías porque querían que todos pudieran tener acceso a los materiales e información que demostraban.

Admiro el esfuerzo de los artistas de Tucumán Arde porque debería haber sido difícil y temeroso querer combatir la censura impuesta por la dictadura militar. No quiero hablar mal de sus esfuerzos porque estaban en una posición muy difícil, pero su intento de movilizar a los trabajadores era sombrío. Sombrío porque su lucha no duro mucho tiempo y nadie del publico los siguió apoyando. Los artistas no logran su gran objetivo y casi no existe evidencia de su proyecto. Les tengo que dar crédito por la manera creativa en cual crearon materiales simples, pero poderosos con la intención de al fin destruir todos los materiales.

  También tengo que admitir que me alegro al saber que hoy en día en los Estados Unidos tenemos el privilegio y la libertad de crear arte que a veces es una contradicción a lo que opina el gobierno. O arte que expresa ideas negativas del gobierno. Algunos ejemplos son del mural del presidente Donald Trump y como el artista lo representa como un virus entre el Coronavirus. Arte que representa al presidente en una luz negativa no es ninguna novedad, es gracias a la libertad de expresión que existe en los estados unidos que no existía en países latinoamericanos durante las dictaduras militares.

Si no hubiera limitación de expresiones en Argentina durante la dictadura tengo alguna certeza de que los artistas de Tucumán Arde hubieran tenido mejor éxito y hubieran logrado unir a los trabajadores. Así hubieran podido luchar contra las injusticias sociales que la dictadura había causado.

Esta semana nos enfocamos en el arte político. Con la idea que el arte refleja ideologías políticas, donde quizás el artista peticiona acción política directa para instigar cambio social o utiliza el arte para mantener el estatus quo. De cualquier manera, es arte político.

Un ejemplo de un artista que intentaba transformar el cambio social en Argentina fue Antonio Berni. Su arte es parte del realismo social, pero Berni le dio su propio toque, redefiniendo lo que es el realismo social. Por ejemplo, en la serie de arte de Juanito Laguna, fue inspirado por los materiales de basura que encontró en las villas miserias donde vivía Juanito Laguna y su familia. Es interesante que cuando Berni uso la basura para su técnica de collage, todo el mundo lo admira como artista, aunque este usando materiales que típicamente no se encuentra en el arte moderno. ¿Cuestiono si quizás Juanito Laguna hubiera intentado exponer la realidad de su vida en la misma manera que lo hizo Berni, tendría el mismo éxito?

Al igual, creo que el propósito del arte es más aceptado si viene de un artista reconocido anteriormente por sus otras más contemporáneas, aunque las obras quizás sean diferentes y controversiales. Si Juanito Laguna hubiera intentado lo que hizo Berni, no fuera igual de exitoso. Quizás seria exitoso porque el público prospero hubiera sentido simpatía por los sufrimientos de Juanito Laguna. A los mas afortunados siempre les gusta presumir que tiene el poder de ayuda a los más necesitados, y comprarían el arte de Juanito Laguna para luego contarle a todos que vean esa obra que la compraron porque fue para ayudar a un desafortunado.

Durante la semana, vi el documentario de Wasteland donde revela como fue que el artista Vik Muñiz incorporo a los catadores, del vertedero en Brasil, en sus obras de arte. Él les pide a los catadores que utilicen los materiales que encuentran en el vertedero para recrear imágenes de si mismo. Para después vender esas imágenes en la subasta. Creo que, si no fuera por el privilegio y prestigio de Vik Muñiz, los catadores solos no hubieran podido obtener la misma cantidad de fondos que pudo recaudar Muñiz.

¿Entonces Vik Muñiz utilizo a los catadores o los catadores utilizaron a Vik Muñiz? Creo que las dos opciones son válidas. Vik Muñiz opto por incluir a los catadores para enfatizar su mensaje, de crear arte con objectos desechables, dar luz a la humanidad de los catadores, y apoyar a la causa de la asociación de catadores. Al igual, los catadores pudieron utilizar el reconocimiento de Muñiz para experimentar con el arte, sentirse parte de un proyecto fuera del vertedero, y poder requerir fondos.  Aunque ambos tuvieron beneficios al participar en este proyecto, hay que ser consciente de que el que sale ganando es Vik Muniz. Sí, el dinero de la venta de la obra fue donada hacia los catadores y la asociación y el dinero no fue para Muñiz, pero Muniz pudo regresar a su vida de privilegio cuando se terminó el proyecto. Pudo continuar con su arte.  Mientras tanto, al finalizar el proyecto los catadores tuvieron que regresar a su posición en el vertedero.

¡Wow! A pesar de tener todas las clases por medio del internet y no poder físicamente socializar con nuestros seres queridos el tiempo en cuarentena ha pasado muy rápido para mí. ¡Ya llegamos a semana cinco del trimestre!

Esta semana el tema de la clase era el muralismo mexicano. Había un énfasis en los Tres Grandes, quienes son Diego Rivera, José Clemente Orozco, y David Alfaro Siqueiros. Ellos no son los únicos muralistas mexicanos que emergieron después de la guerra civil en México, pero quizás son los mas reconocidos y radicales. Lo que me encanto aprender de muralismo es que el propósito de este arte es unir al público. Donde no importa las clases sociales o el nivel de educación de uno porque todos pueden apreciar el arte en murales. Al igual, los murales intentaban revelar las injusticias sociales que estaban pasando, con el motivo de movilizar al pueblo a exigir mejor tratamiento del gobierno.

Creo que aun los murales aún son relevantes, no importe cuantos años han pasado desde la época del muralismo, aun existen artistas que les encanta pintar encima de murales. Quizás no a la misma gran escala que los Tres Grandes, pero el concepto es el mismo. Lo que he notado es que hay muralismos aceptado y otro que no es aceptable. Por ejemplo, hace dos semanas estaba aburrida con la misma rutina que daba cuando salía a caminar un rato. Me acorde que hace dos años había visto un mural en el restaurante Brail’s en Eugene, Oregon. Así que investigue por Google para ver si había otros murales cerca que podía ir a ver. Resulta que la ciudad de Eugene había establecido el proyecto 20×21 Eug Mural Project, con el propósito de comisionar murales por toda la ciudad antes del Campeonato Mundial de Atletismo 2021 que Eugene será la sede. Estos murales son los que son aceptables porque han sido comisionados con un propósito dirigido por una autoridad gubernamental.

¿Pero como se diferencia murales comisionados a arte que no ha sido pedido? Bueno, si no es arte comisionado creo que el artista tiene mas libertad de expresar sus pensamientos y exponer ideas más radicales. Esto se contrasta a arte comisionado porque quizás el arte pagado por la ciudad tiene mas restricciones y limites de lo que puedan hacer los artistas. Entonces, hay una cuestión de murales comisionados, ¿verdaderamente le pertenece al público, aunque se haiga limitado la creatividad e imaginación del artista? ¿O solamente se considera arte público porque el gobierno es un servicio público?

Imagenes de los murales del 20×21 Eug Mural Project.

Personalmente, después de visitar los murales en Eugene, no vi nada que invocaba sentimientos de querer combatir injusticias sociales. Entonces, al ser comisionados estos murales no creo que han servido el propósito que los murales de los Tres Grandes hacían. Estoy de acuerdo que son pinturas lindas, y me encanto ver algo artístico cuando están limitadas las opciones durante la cuarentena. Pero es solo eso, arte bonito que no tiene otro propósito más que hacer las calles de Eugene más animadas. Creo que estoy de acuerdo con Diego Rivera, que el arte debería ser propaganda, si no lo es no captura mi atención ni me dan ganas de compartirlo o analizarlo con alguien más.

Esta semana nos toco aprender un poco sobre la identidad panafricana, la négritude, y creolización. Es fascinante como los artistas utilizan la cultura africana para inspirar su arte. Les ayuda expresar los sentimientos y pensamientos que tienen sobre la diáspora africana. Esta diáspora ha creado diferentes ideologías sobre la identidad africana alrededor todo el mundo. En el concepto de la négritude, opinan que el color de su piel es lo que define a los que tiene ancestros africanos y eso los hará conectarse a su pasado. Al igual, intentan negar las influencias coloniales. En el caso de la creolización, combinan las ideologías de la négritude y las influencias coloniales para revelar las multifacéticas que existen en una persona afrolatina. Opinan que es importante incluir las ideologías de los colonizadores porque forman parte de su identidad mestiza. A pesar de las varias maneras de describir una identidad, tienen en común la manera en cual utilizan la cultura africana para inspirar sus movimientos y conectarse a sus antepasados.

Aunque han existido muchos afrolatinos que han utilizado la cultura africana en su arte yo nunca había escuchado de ellos hasta esta semana. Uno pensaría que sabríamos mucho sobre los afrolatinos haciendo arte que representa sus antepasados, sin embargo, hay un enfoque más grande en artistas que no tienen ninguna conexión a la cultura africana. Quizás han visitado a África para inspirarse, pero los antepasados de estos artistas no pertenecen a África. Un ejemplo de individuos que interpreta la cultura africana en su arte es Pablo Picasso. Cuando estudie en España, a cada museo que nos tocaba visitar mencionaba a Picasso y su arte maravilloso. Entiendo que Picasso es un icono importante en el Cubanismo, pero los académicos ni mencionan a artistas de color, como Wifredo Lam, que también estaban haciendo lo mismo en su arte como Picasso. Una simple respuesta es que el arte de Picasso pertenece en la categoría de arte contemporáneo mientras que el arte de Lam pertenece a la categoría de arte “étnico” o folclórico.

Lo que le paso a Lam, es lo mismo que le paso a Jean-Michel Basquiat. Nunca había escuchado de este artista. Lamento no haber sabido de el antes porque su arte es fantástico. Creo que el arte de Basquiat se popularizo mejor después de que falleció. Aunque durante su vida tenia mucho éxito, muchos museos contemporáneos rechazaban sus trabajos porque eran algo extraño y su estética no era lo que era popular en ese tiempo. ¡Pero ahora su arte se encuentra en muchos museos a través del mundo y aun así no conocía su arte!

¿Entonces por qué conozco más sobre Pablo Picasso que de Wifredo Lam y Jean-Michel Basquiat? Porque a pesar del reconocimiento de artistas maravillosos como Lam y Basquiat, aun personas seleccionan a Picasso porque el representa el icono ideal del arte contemporáneo. Se establece un enfoque más grande en alguien que es representante de la cultura europea y en la sociedad siempre se prefiere a personas que reflejan la cultura colonizadora.

Wifredo Lam y Jean-Michel Basquiat merecen ser reconocidos igualmente que Pablo Picasso. Los currículos en clases de arte deberían incluir a personas con diferentes perspectivas y culturas para tener mejor comprensión de todos los elementos en el arte que muchas veces perdemos cuando solamente nos enfocamos en artistas blancos.

Durante la primera semana de clase, leí el capítulo de “Prominent Themes in Chicano Art”, escrito por Carlos Francisco Jackson, donde descubrí que el arte chicano intenta reclamar la cultural precolombina para revelar la narrativa actual de las comunidades indígenas y el colonialismo. Para añadir, los chicanos también utilizan el arte chicano para encontrar un lugar de pertenencia cuando están aferrados por una dicotomía bicultural.

Creo que el chicanismo opta por reclamar la identidad indígena para revelar las injusticas que sufrieron las comunidades indígenas hace miles de años, pero a la misma vez educar a nuestra comunidad Latino sobre las injusticias ocurriendo presentemente. Un ejemplo muy relevante hoy es la necesidad de muchos Latinos emigrantes en los campos cosechando productos alimentarios. Ellos están arriesgando sus vidas diariamente, exponiéndose al Coronavirus, mientras tantos otros más privilegiados se pueden quedar en sus casas evitando el contagio.

Esta imagen publicada por Qetza Art en Facebook ejemplifica al arte chicano. Donde la imagen parece ser dibujada encima del pergamino, similar a los códices mesoamericanos. Para añadir, el trabajador de campo está posicionado en una manera igual que se puede ver en arte mesoamericano. Esta imagen demuestra que los campesinos son necesarios para el bien estar del país durante la pandemia del Coronavirus, sin embargo, suelen ser desestimados cuando los tiempos sociales y económicos son positivos y no existe una pandemia. Ahora me pregunto, ¿cómo puedo utilizar mi privilegio para apoyar a los campesinos durante este tiempo? Quizás investigar como las compañías están incluyendo a los derechos de los campesinos y ser un consumidor consiente. Aunque estoy más consiente de donde y como compro mis productos alimentarios, aun me siento un poco culpable de lo que están sufriendo los campesinos mientras que yo me encuentro bien en mi con todo lo que necesito. ¿Qué mas puedo hacer? Puedo participar en boicots de servicios específicos que están sometiendo a los de clase baja a condiciones peligrosas. Espero que mis esfuerzos ayuden un poco, aunque soy consciente que no es suficiente. Si no hay pólizas y leyes que apoyen a los campesinos todo quedara en el statu quo.

Ahora en cuestión de una identidad bicultural tengo un poco de experiencia personal con esto. Desde joven sabía quiénes eran los chicanos porque mis abuelos siempre me decían que yo debería identificarme como chicana porque mis padres son mexicanos, pero yo soy nacida en los Estado Unidos. Yo no entendía porque existía el término ‘chicano’ cuando simplemente me podía identificar como mexicana-americana. Ahora reconozco que al identificarse como chicano abarca el indigenismo que se encuentra en la identidad mexicana.

La verdad no se si me identifico cien por ciento Chicana, pero me encanta la idea de que existe un lugar en esta sociedad donde puede relatar y explorar mis dos identidades sin ser juzgada. Fuera del Chicanismo, afrento el juicio de los mexicanos y el juicio de los estadounidenses. Los mexicanos comentan que no hablo bien el español, no sé lo que es vivir en la pobreza, y que todo es más fácil para mí que soy estadounidense. A la misma vez, los estadounidenses mencionan que mi vocabulario en ingles es muy simple, mi música mexicana es ‘weird’, y que soy muy pobre para comprender o apreciar una educación clásica. Pero todo esto que juzgan y comentan son las cosas que componen mi identidad.

Cuando era más joven me causaba molestia porque pensaba que nunca era suficiente lo que hacia para pertenecer en ambas culturas. Pero ahora con el tiempo he aprendido a ignorar lo que dicen otros de mi porque nunca van a comprender lo que es ser un mexicanoamericano o chicano.

I enjoy my butchered Spanish, y mi inglés limitado. También disfruto cambiar de un idioma a otro fácilmente. I appreciate the fact that my grandmother taught me to embroider and crochet, and how to us these skills to make a profit like she did en el rancho. La música regional mexicana está llena de ritmos que me fascinan bailar. I love geeking out to classical musical and appreciating the talent necessary to flutter tongue notes. Podría añadir diferentes componentes de mi identidad, pero la lista seria sin agotamiento, pero aquí dejo una imagen de un baúl de objectos que refleja un poco más mi identidad bicultural. En fin, me encanta ser mexicana-americana y no lo cambiaria por nada.