Arte y Política en América Latina

Disfrute aprender de las obras de Carlos Martiel porque no tengo mucha experiencia con el análisis de performance art. Algunas veces el arte parece como obras sin significancia, demasiadas simbólicas para mí.  Son difíciles para entender porque son muy abstractos, y el contexto es necesario para asignar significancia a los elementos. En las obras de Martiel, estos elementos tienen varios niveles de entendimiento. Hay la representación visual, y también la experiencia de estar en la presencia de la exhibición, porque es como ver el proceso de creación de la obra.

Simiente, la obra en que Martiel se cubrió su mismo en la sangre de inmigrantes de muchos países. Esta obra es interesante en nuestro contexto hoy en día. En la semana pasada, puedo pensar solamente en la realidad del sistema de violencia y racismo de la policía. La imagen de un hombre afrolatino cubierto en sangre me hace pensar en los innumerables otros que se murieron en este sistema. Pero también necesitamos considerar el origen de la sangre, y pienso que este elemento es la cosa que defina performance art. La sangre es de inmigrantes, personas reales. El acto de creación del arte depende en la colaboración de personas reales, y con la realidad de la obra, el arte trasciende la experiencia visual y se vuelve algo con más significancia.

Basamento, en que Martiel sostiene una mesa contiene comida haitiana, es un ejemplo de la experiencia de arte como un visto del proceso de creación. Durante la exhibición, Martiel se levanta y volcó la mesa, derrama toda la comida en el piso. Con el énfasis de performance art en la experiencia fenomenológica, los espectadores pueden ver la creación, y esta forma da más tiempo y más espacio para el artista tener mensajes múltiples. Martiel pudo comentar en la injusticia entre la gente marginalizada que permite las personas disfrutan esta comida, y también que piensa sobre que sucedería y el resulto. Los espectadores pueden realizar como están complicitos en el sistema. Para las personas que vieron la exhibición, esta experiencia puede ser muy poderosa.

Puedo reconocer el poder de una experiencia de performance art y como el fenómeno tiene efectos diferentes en los espectadores. También el formato flojo de este arte da espacio para expresar mensajes variables, y no limite la obra en una forma sólida, sin cambios. Pero también pienso que hay un problema en la reproducción. La forma fugaz y breve no permite otras personas ver el arte, y limite la accesibilidad a las personas que pueden estar parte del mundo de arte privado. Los museos no siempre son abiertos a todo, y la falta de reproducción de performance art puede limitar el impacto de la exhibición a los que tienen los recursos para ver. No sé si prefiero esta forma de arte, pero estoy interesado en aprender más.

Frida Kahlo es muy reconocida para su usa de su propia imagen para crear arte.  Pero después de su tiempo, esta imagen misma esta usado por reproducciones de masa, en objetos o ropa para comprar. El autorretrato de Frida es icónico, y toda la gente reconoce, pero no toda la gente tiene la oportunidad para aprender sobre el contexto histórico y sociopolítico que guía el entendimiento de la obra. Hay valor en la obra sin este contexto, porque con nuestra cultura podemos entender los mensajes obvios. Podemos ver sus cejas famosas y pensamos en una subversión de normas de belleza. Podemos ver su codera y pensamos en representación de discapacidad en arte. Pero sin conocimiento del simbolismo único a México, es difícil interpretar la significancia de las obras. En esta manera, perdimos estos mensajes de Frida a causa de la producción en masa porque estos objetos no provienen un contexto para el arte.

Por ejemplo, Mattel hizo un Barbie de Frida. Esto es irónico porque la compañía masiva de Mattel representa el capitalismo que Frida hizo críticos en su arte. Tiene muchas obras contra las industrias grandes y era comunista. El intento de Mattel era crear una colección de muñecas para representar mujeres fuertes para poner un ejemplo bueno para las niñas. Aunque Frida es completamente un ejemplo bueno, la representación en una muñeca no respeta sus valores o creencias porque ignora su protesta vocal de estas compañías.  

Pero también pienso que es importante para distribuir el mensaje de Frida. No todos pueden tener el acceso a los museos o clases de historia de arte, y la introducción de Frida como un Barbie o en una imagen en una camisa puede empezar un interés que puede seguir con más educación y aprendizaje sobre los mensajes que Frida contaba en su arte. No quiero “gatekeep” el arte de Frida Kahlo. Pienso que todo debe tener acceso, pero también hay una diferencia entre acceso para todo y una contradicción de los valores que Frida usaba en su arte. A causa de la privación del mundo de arte, el arte de Frida es un instrumento del capitalismo. Sin acceso público, los mensajes contra el capitalismo e izquierdista no tienen el mismo impacto. Es difícil en este tiempo porque las compañías grandes, como Mattel, tiene control de mucho de nuestra consumación de información. Es difícil para encontrar arte tan poderoso sin representaciones en la cultura popular a menos que tiene el acceso a las instituciones privadas de arte. No tengo una respuesta para este problema. Hay beneficios y negativos para las dos opciones, pero pienso que la cosa importante es que el arte de Frida puede tener un impacto de critica sociopolítica. Es muy impresionante que su arte es tan famoso muchos anos después de su vida, y ojalá que su arte puede continuar tener impactos en las vidas de niñas y perspectivas de capitalismo para muchos anos después.

El movimiento de neoconcretismo brasileño me interesa mucho porque pone énfasis en la participación del espectador para crear significancia de una obra. Es muy personal, y abre la puerta para más impacto de una obra. Esta interacción hace obras de arte más versátiles. No es la misma “arte alta” que no es accesible para el público y necesita una educación sobre el contexto histórico para entender. En lugar de eso, el énfasis es en la experiencia fenomenológica y la participación de los espectadores. Antes de aprender sobre la significancia de este movimiento del neoconcretismo, pensaba que arte más abstracto no tenía la misma importancia o impacto como arte más en el estilo real. Pero me interesa mucho el concepto de significancia como resulto del espectador. Proviene más espacio para impacto, y puede ser más interesante para el espectador. Si estás viendo una obra realística solamente puede aprender el mensaje del artista. Este resulto puede ser bueno o malo, pero es un poco aburrido comparado con el arte neoconcreto. En esta forma, el mensaje puede dependa totalmente en el contexto del espectador, en el emplazamiento de obras en una exhibición, o aun en el lugar en que una persona ve la obra. La simplicidad y el énfasis en la experiencia fenomenológica crea un espacio abierto a interpretaciones diferentes e interesantes.

Tropicalia es muy interesante porque involucra un ambiente completo para una experiencia de significancia. Oiticica crea una representación de las culturas brasileñas con una exhibición que aparece como un barrio en Brasil. Es una exhibición divertida, con la intención para honrar la gente brasileña y proviene una perspectiva de la Brasil real. Pienso que la participación de los espectadores en esta exhibición es perfectamente simbólica de las metas del movimiento neoconcretismo. Personas que vieron la exhibición no solamente trataron apreciar la obra como arte, pero se divirtieron. Las madres traían sus niños para jugar en la arena. Los hombres de negocio vinieron para escuchar a los pájaros. También los espectadores que vinieron para ver el arte tuvieron interactuar con la exhibición.  Oiticica crea un espacio que depende en sus espectadores para significancia, pero también da a los espectadores un espacio para su placer. Representa la relación entre obra y espectador característico del movimiento de neoconcretismo.

Los parangoles de Oiticica me interesan mucho porque personifican la interacción personal de neoconcretismo. Son ropas creados por Oiticica que puede estar llevado en cualquier manera. Esta libertad para expresar crea muchas significancias diferentes e involucra la persona que lleva para la obra. Es como la frase, “Beauty is in the eye of the beholder.” El llevador cambia el parangol, y la experiencia es única. Es una manera de representar expresiones únicas que pueden representar la diversidad de culturas brasileñas, y para honrar la influencia del impacto en arte de personas individuales.

El arte neoconcretismo puede aparecer como algo simple o sin significancia sin un entendimiento que tiene los elementos para el propósito de involucrar el espectador. En esta manera, este arte es uno de los estilos que puede ser más poderoso para interpretación y los impactos en los espectadores.

Esta semana, yo discuto la exhibición de arte argentina Tucumán arde. Esta exhibición era una forma de resistencia contra represión gubernamental en Argentina durante la dictadura de General Ongania. Tucumán es una región de Argentina que en este tiempo tenía una industria de azúcar. Las condiciones de trabajo eran muy malas, y los azucareros sufrían mucho. Pero porque el gobierno usaba la censura y represión de información para controlar el país, muchas personas en otras regiones no sabían sobre estos problemas. Violaciones de censura eran muy peligrosas, pero una colectiva de artistas decidió distribuir la verdad ellos mismos.

Investigan Tucumán con viajes a la región y entre entrevistas y examinación del material documental sobre Tucumán. Después de su investigación, los artistas crearon la exhibición para criticar las acciones gubernamentales para distorsionar la realidad al resto del país y también para las condiciones sociales represivas. Tucumán arde era un riesgo para los artistas involucrados, pero usando exhibiciones en algunas ciudades argentinas, estos artistas podían mostrar la verdad al público. Este método de usar arte para investigar la verdad y distribuir información es un nuevo desarrollo de arte como resistencia. Aunque arte siempre había tenido un papel en el político, Tucumán arde es un ejemplo de arte como acción directa, no solamente una protesta. Es una subversión consciente de la represión y censura. También es un cambio del énfasis en una obra. En esta exhibición, el arte es un medio para distribuir su mensaje, pero el énfasis es en los sujetos y la información. El objetivo de la exhibición es cambio social y estas artistas están dando la herramienta de información y conocimiento a la gente argentina. En comparación de los murales en los anos de 1920, Tucumán arde hace algo para ayudar la causa y terminar represión gubernamental. Una de las obras en la exhibición es el piso con los nombres de los dueños de azúcar en Tucumán. Es muy poderoso, simbólicamente y literalmente. Los espectadores caminan encima de los nombres y estas representaciones de los dueños, simbolizando la perspectiva de los artistas que estas personas no merecen el respeto de una pared.

Literalmente, los artistas usaban los nombres reales que no eran conocimiento público. En esta manera, Tucumán ardeusaba obras de arte para tener un papel político nuevo.  Pienso que Tucumán arde, y otras exhibiciones durante esta época de arte, eran influénciales en movimientos siguientes. Si arte podría ser literal y simbólico, puede ser usado para todas causas. Es una manera de expresión pero también para cambio social en tiempos de represión. También, esta exhibición y los artistas resisten crear arte como en una comunidad cerrada, como en los museos. Presentar estas obras en una manera pública amplifica el impacto en la cultura y sociedad de Argentina. En esta clase, aprendimos que arte es siempre político, pero esta exhibición muestra la diferencia entre arte político más pasivo comparado con arte como protesta directa.

Los recursos de esta semana me hacen pensar en nuestra cultura de consumo. Cuando no vimos la basura, no existe en la perspectiva de los creadores de la basura. Hay un sistema problemático que enfatiza el consumo de productos para las ganancias de industrias, pero no hay una solución para la basura dañino que es necesario para consumo eternal. Estas obras me muestran mi papel en la crisis global de basura. En el documental, un catador dice que 99 cosas de basura no es la misma de 100. Muchas veces, uso la excusa sobre mi propia basura si usualmente yo no creo mucha basura, alguna basura no es un problema. Pero este documental muestra la verdad que la basura y las industrias capitalistas han creados una realidad insostenible, que sirve las clases altas hasta el día en que no pueden ignorar el problema. La contaminación del mundo y otros problemas ambientales son muy graves, y este documental muestra la importancia del papel de los catadores.  Me encantan los retratos de los catadores, porque representan con respeto. Aunque en sus trabajos y en los retratos están rodeados con basura, puedo sentir su humanidad y su importancia en un trabajo no representado en nuestro entendimiento de sociedad capitalista. Su trabajo es necesario para nuestra sociedad, pero no tienen reconocimiento. Esta exhibición de Vik Muñiz es importante para la consideración de representaciones sociales de los catadores y también para considerar el problema de contaminación y basura como resulto de vidas de consumo.

Retratos de catadores, Vik Muniz

Las obras de Vik Muñiz son muy similares en esencia y mensajes de Berni. Las imágenes de Berni muestran el impacto social de la industrialización y los proyectos de modernización que creaban basura con las creaciones de nuevo tiempo. Muestran neocolonialismo basado entre niveles de sociedades, en lugar de colonialismo basado entre grupos y culturas diferentes en una lucha de poder. El éxito de estas nuevas creaciones de sociedad crea una opresión de clases bajas. En estas obras de Berni, el personaje “Juanito Laguna” está representado rodeando con mucha basura, y una ciudad industrial en el fondo. Representa la existencia y las vidas de la gente afuera del éxito de la sociedad moderna. Hay una inequidad grande entre los niveles de sociedad, y muchas veces la gente representa como “Juanito Laguna” no está representado en obras de arte o imágenes de sociedad positivas. Como en las obras de Vik Muñiz, Berni muestra un lado alternativo de los sistemas industriales. Para crear objetos y obras modernos, es necesario crear basura. Y la responsabilidad de la basura esta dado a las personas que no tiene otra opción porque la inequidad social.  Esta semana era muy interesante para considerar mi papel en estos problemas de inequidades sociales de mi participación en el sistema capitalista y también en la contaminación global, y me inspiraba explorar opciones más sostenibles y responsable socialmente.

 

El muralismo como un medio de protestas sociales es muy revolucionario porque da la oportunidad para todos ver los mensajes de los artistas. Me hace pensar en una obra en el museo de Jordan Schnitzer en el año pasado en que los espectadores pueden ver una exposición desde exterior. Pueden ver las obras entre espacios pequeños de la estructura, pero muchas de las obras no eran visibles. Era un comentario sobre la disponibilidad de arte, y como necesitamos considerar el privilegio en el contexto del acceso a los museos. Hay muchas obras poderosas en el mundo, pero si una audiencia pequeña puede tener acceso, las obras pierden impacto.  Creando comentarios sociales sobre inequidad y luego limitarse la vista a personas con los recursos para acceder a espacios privados sirve para aprovecharse del sufrimiento de la clase proletaria. Los movimientos sociales no pueden estar usado solamente para tener beneficios a menos que las obras y las artistas están trabajando para ayudar el movimiento actual.

Cuando estaba explorando la exhibición del Museo Whitney, algunas obras me interesan para examinar. Estas obras exploran temas sociales y culturales que son muy interesantes e importante en la formación de movimientos de arte en México.

Diego Rivera, Lower panel of Detroit Industry, North Wall, 1932-33

Este mural de Diego Rivera muestra una fabrica en Detroit. Es importante porque es una representación del trabajo real y las experiencias de los trabajadores, y no representa las ganancias de los dueños por causa de este trabajo. Es la realidad de la clase proletaria en los EEUU durante este tiempo, y presente una perspectiva diferente para considerar el público con el sistema capitalista.

Hale Woodruff, The Mutiny on the Amistad (second versión), c. 1941

Este mural de Woodruff muestra un motín de esclavos en La Amistad. Los murales eran un medio de representar historia, especialmente los cuentos que tenían importancia en cultura hoy en día según los artistas. Es una escena violente, pero los colores vibrantes y claros sugieren que este motín es positivo, no es una tragedia. El papel importante de los murales en las descripciones de historia da acceso al público para aprender estos cuentos.

David Alfaro Siqueiros, Echo of a Scream, 1937

Esta obra es muy poderosa para mí. Representa el sufrimiento de los inocentes por causa de industrialización y la basura dejado para las ganancias. El título, Echo of a Scream, sugiere el silencio de un grito original. Este puede ser porque no hay nadie escuchando para los gritos o las voces de los inocentes en un sistema capitalista. En lugar de eso, el sufrimiento no tiene la misma importancia como el suceso de las industrias.

Diego Rivera, Flower Festival: Feast of Santa Anita, 1931

En comparación de las otras obras que discute en este blog, me gusta esta obra para la celebración de cultura mexicana. Representa una incorporación de cristianismo a la cultura pre-colombina. Las imágenes de símbolos tradicionales incluyen las flores nativas y la ropa tradicional. Es un reconocimiento de la cultura mexicana que celebra actividades de personas ordinarios participando en un festival.

En la primera semana, discutimos la importancia de considerar las obras de tradiciones pre-colombinas como arte, aunque algo de estas no conforman en las normas rígidas europeas. El colonialismo ha creado un visto pequeño sobre que puede ser arte refinado. Esta semana explora más en este concepto entre la celebración de la esencia de arte latinoamericano con la subversión de normas coloniales. Esta subversión da la oportunidad para desarrollarse la creatividad basada en tradiciones pre-colombinas sin el límite de reglas europeas.

Pienso que la subversión de normas europeas es lo más importante en ayudar el reconocimiento y respeto para arte latinoamericano, y también para causas sociales para representar como el colonialismo todavía tiene efectos reales en todos partes de la cultura hoy. Oswald de Andrade y Nelly Richard ofrecen dos perspectivos sobre cómo podemos ver cultura latinoamericana, y que influencias debemos considerar cuando describimos las componentes de cultura y arte. Oswald de Andrade presenta la importancia y la validez de los “caníbales” o las culturas pre-colombinas sin efectos de colonialismo. Algo de su “Cannibalist Manifesto”:

“Down with all the importers of canned consciousness. The palpable existence of life. And the pre-logical mentality for Mr. Levy-Bruhl to study.”

“But we never permitted the birth of logic among us.”

“Before the Portuguese had discovered Brazil, Brazil had discovered happiness.”

Andrade reconoce las tradiciones y normas culturales de una civilización antes de colonización, y quiere subvertir que es normal, y que vimos como respetable por causa de nuestras parcialidades.

En comparación, Nelly Richard presenta la perspectiva que reconoce la importancia de la historia colectiva, incluye influencias coloniales porque para negar la existencia de colonización es una manera para perder la historia verdad de culturas latinoamericanas. Aunque cultura pre-colombina es muy importante, la historia siguiente es una cosa necesaria cuando consideramos como la cultura era formado y como las influencias pre-colombinas y coloniales pueden tener efectos hoy en día en países latinoamericanos.  Nelly Richard dice: “The mythologizing of Latin American identity (based on “what is primitive”) in art aspires to form aboriginal caricatures of that identity. The exotic – the myth of the savage as a return to nature, the myth of native culture as a legendary spring, as folkloric memory—as well as the picturesque, lead Latin American culture into a regression of identity… In erasing the traces of conflict among different cultural backgrounds that have clashed during the diverse processes of colonialism, the possibility of a Latin American consciousness that is wide-open to a process of self-criticism regarding its own contradictory condition—pierced by histories in disarray—is denied.”

Pienso que la cosa más importante es como las representaciones de cultura latinoamericana en arte puede ser cualquier cosa. Depende en como el artista quiere celebrar y representar su propio herencia y experiencias entre la cultura. La historia es muy larga y no hay solamente una manera o perspectiva que es correcta. El medio de arte es una oportunidad para representar esta realidad, porque el artista puede crear un comentario basado en las cosas que están importante para el artista.

Arte es un constante en todo el mundo. Todas las culturas y comunidades tienen alguna forma de arte y creación para representar elementos hermosos. Pero no toda de arte esta vista como arte valuado. En los Estados Unidos, muchas personas pueden reconocer artistas occidentales como Leonardo DaVinci, Michelangelo, y Picasso. Las obras creadas por estos artistas están en museos de arte y están valuadas a precios muy altas. Pero arte creado por artistas de civilizaciones pre-colombinas no es tan respetado. En nuestra clase, ¿examinamos la pregunta, que es arte? Uso estos recursos para reflejar en mí mismo y cambiar mi percepción sobre las diferencias entre arte ‘étnico’ y arte reconocido y occidental. Por causa de siglos de opresión y colonización, la significancia de arte pre-colombina ha perdido porque hay un sentimiento de novedad. Si vimos este arte como un objeto para interpretar solamente la significancia en contexto de su importancia en la cultura, no vimos la significancia de objeto como arte que presenta en una manera diferente que las culturas occidentales. Pienso que el Codex Espangliensis es muy interesante porque hay una esfuerza para representar elementos de arte pre-colombina con estilos de arte más recordativos como el arte que conocemos en los Estados Unidos. Unifican herencias y culturas para crear este Codex que, al mismo tiempo, subvierte y eleva las representaciones de arte pre-colombinas. Subvierte estas representaciones con la presentación de estas imágenes en el mismo nivel de arte occidental. No es una colección solamente para la perspectiva de estudios étnicos para considerar la cultura como historia, pero respeta la inclusión de arte pre-colombina en una manera que muestra que sí, es arte. El Codex Espangliensis eleva las representaciones de arte pre-colombinas porque presenta este arte en el formato de arte después colonización. No hay una separación en la dicotomía de historia y arte. Pienso que el cambio en perspectiva de consumadores de arte es muy importante para respetar la herencia e historia de culturas pre-colombinas. Es un símbolo del sitio de cultura descendente de estas pre-colombinas en contexto de la cultura dominante. Las representaciones de culturas latinoamericanos, sudamericanos, y pre-colombinas necesitan espacio para ser respetados para la significancia original. No es justo para degradar arte no occidental como solamente una reliquia histórica, pero necesitamos pensar en cómo nuestras parcialidades pueden afectar interpretaciones del arte. Arte es algo que esta creado para dar significancia a un objeto.  Con estas perspectivas y una consideración nueva sobre mis propias parcialidades inconscientes, me siento preparada para aprender sobre arte latinoamericano en esta clase. Espero que cuando termino este curso, voy a tener un gran apreciación y entendimiento sobre la historia detrás arte latinoamericano y como esta historia todavía influye arte moderno.